16세기 이탈리아르네상스 미술

·베네치아 중심의 미술(피렌체 메디치가의 약화로 베네치아로 옮겨감)

지오르지오네(Giorgione 1478-1510)

베네치아의 대표적 화가.몽상적인 정서와 부드러운 색채, 완전한 구도.

놀(1505년)

오른쪽엔 누드의 여인이 아기에게 젖을 먹이고 있고, 왼쪽에 목동복장의 젊은이는 여인을 쳐다보고 있다. 이들은 화면에서 빗겨나 있으며, 먼 곳에서 폭풍이 이는 어두운 풍경이 화면전체에 펼쳐져서 시적인 분위기를 자아내고 있다. 이 그림의 주제는 매우 모호해서 학자들에게 많은 궁금증을 불러일으켰다. 어떤 이는 원죄 이후의 아담과 이브라 하고, 어떤 이는 비너스와 마르스라고도 추측했다. 그러나 젖을 먹이는 여인이 이브라면 옷을 입고 있어야하고, 비너스라 하면 아기가 없어야 하니 어느 학설도 충분히 납득할 만큼 확실하지는 않다. 그림에서 분명한 것은 무엇인가 불길한 것이 다가오고 있다는 징후 뿐 이다. 이 그림은 이야기로 설명하기보다 느낌으로 전달하고 있다. 죠르지오네에게 있어서 회화는 특정의 메시지를 전달하는 수단이 아니라 회화만이 할 수 있는 감성적인 표현이었다. 습한 개울과 천둥이 번쩍이는 원경의 도시, 알 듯 모를 듯한 모호한 인물들, 그리고 이들을 둘러싼 검푸른 나무들, 이 모든 것은 어떤 암시적인 느낌으로 다가온다. 그림이 이야기 내용으로부터 전적으로 자유로워진 것은 19세기말이라는 사실을 상기한다면 내용이 없는 듯한 죠르지오네의 회화는 실로 현대적인 회화방법이라 할 수 있다.

잠자는 비너스(1510년)
아마도 여성누드를 관람자 눈앞에 대담하게 펼쳐놓은 첫 번째 회화가 아닌가 싶다. 석양빛에 물든 황갈색 공기에 감싸인 듯한 풍경은 눈을 감고 있는 비너스와 함께 우리를 그림 안에 젖어들게 한다. 화면 아래 대각선으로 길게 누운 비너스는 잠들어 있으므로 보는 이는 아무 제재를 받지 않고 그녀의 몸을 음미할 수 있다. 그녀는 잠들어 있지만 보는 이의 시선을 이미 알고 있는 자세이다. 이 그림을 가지고 있던 지롤라모 마르첼로(Girolamo Marcello)는 1507년에 결혼하였는데 옆으로 긴 이 그림은 아마도 신혼의 침실에 놓인 가구 안쪽에 붙여있던 그림이 아니었을까 추측하기도 한다. 이 그림은 성적인 감흥을 일으켜 다산으로 이어지게 하니까 침실에 적합한 그림일 것이다.

목자의예배

티치아노(Tiziano Vecellio. 1488/90 ~ 1576. 8. 27 )

지오르지오네의 제자.이탈리아 르네상스의 대표적인 베네치아파 화가. 티치아노는 일찍이 뛰어난 대가로 인정받았으며 수세기에 걸쳐 그의 명성은 이어져 내려 왔다. 미술이론가 조반니 로마초는 1590년에 그를 '이탈리아의 여러 대가들 뿐만 아니라 전세계의 화가들 가운데 태양같은 존재' 라고 평했다. 오늘날에도 티치아노의 천재성은 전혀 의문의 여지없이 받아들여지고 있다. 그의 초상화는 인물의 특성을 꿰뚫고 있으며 종교화는 젊은 시절에 즐겨 그린 성모상으로부터 말기의 <십자가에 못박힌 예수 Crucifixion>,<예수의 매장 Entombment>에 이르기까지 폭넓은 정서를 보여준다. 한편 신화를 주제로한 그림들에서는 그리스,로마 시대의 이교적인 쾌활함과 자유분방함을 으낄 수 있는데 특히 벌거벗은 비너스(<비너스와 아도니스 Venus and Adonis>)나 다나에(<다나에와 유모 Danae with Nursemaid>)의 표현에서 그 누구도 능가할 수 없는 육체의 아름다움과 관능성의 기준을 세웠고 루벤스나 니콜라 푸생 같은 후세의 대가들도 그를 즐겨 모방했다

혁신적인 유화 기법의 완성자: 과거의 화가들이 방법이 아닌 자신의 표현 욕구를 형상화하기 위해 유채 물감을 다양하게 활용

힘찬 필치와 물감의 양으로 자유롭게 표현 :강력한 필치와 풍부한 개성으로 무장한 화가의 영감을 작품으로 승화

나를 건드리지 마라, 1512년경
예수와 막달라 마리아는 강한 색조의 티치아노 화법인데 오른쪽 뒤의 배경엔 스승이 그린 집들의 모습을 그대로 사용하고 있음을 볼 수 있다. 도제 교육으로 이어지던 스승과 제자의 작업상황을 짐작할 수 있는 그림들이다.

전원 음악회, 1508년, 캔버스에 유채, 105 x 136cm
지오르지오네의 작품인지, 티치아노의 작품인지, 학자들 사이에 작가에 대한 논란이 아직까지도 일고 있는 작품이다. 일부 미술사학자들은 이 작품의 나부(裸婦)에 티치아노의 화풍이 남아 있다고 확신, 이 작품을 티치아노의 작품으로 생각하고 있는데, 루브르 미술관 역시 이러한 이유로 이 작품을 티치아노의 작품으로 규정하고 있다.
이 그림의 특징은 안정된 화면구성을 보이면서 인물과 배경은 서로 관련성을 띠지 않는 개별적인 모습들로 그려졌다. 우물에서 물을 긷고 있는 여인은 그 동작과는 전혀 다른 것을 생각하면서 주위 풍경과 고립된 자세로 몸을 약간 앞으로 구부린 채 서 있다. 이 여인은 옆으로 서 있는 자세를 취했기 때문에 가슴을 노출하고 있지는 않으나, 베네치아 화가들 특유의 풍만한 여체가 아름답다. 르네상스 시대의 선구적인 여성 누드 작품으로서, 훗날 마네가 <풀밭 위의 점심식사>를 그릴 때 참고되기도 하였다. 나부(裸婦)들은 모두 "음악", "물", 그리고 "멜로디"를 나타내는 알레고리로 사용되었다. 울창한 숲을 배경으로 완만한 경사를 보여주는 언덕이 한쪽에 그려져 있고, 전원에는 양떼를 몰고 가는 목동이 보인다. 베르길리우스의 시 한편처럼, 애수 어린 해질녘의 정취가 풍겨나는 작품이다.

장갑 낀 남자, 1520∼23년, 캔버스에 유채, 100 x 89cm
이 작품은 루이 14세 컬렉션 중 하나로, 루브르 박물관이 1671년에 구입하였다. 티치아노는 특히 초상화를 그리면서 당대에 이름을 떨쳤는데, 이 작품과 더불어 일명 <젊은 영국인>이라는 초상화는 그의 대표작으로 손꼽힌다. 그림 속 모델은 신분이 귀족임을 나타내는 고급스런 의상을 걸쳤으며, 오른손에는 반지가, 왼손에는 이 작품의 제목을 암시하는 장갑이 끼어져 있다.
부드러운 윤곽선과 키아로스쿠로(Chiaroscuro)라는 명암법이 잘 배합된 음영을 가지고 있는 모델의 모습은 조르조네의 그림을 연상하게 만든다. 화면 오른쪽을 약간 비껴 응시하고 있는 모델의 진지한 표정은 젊은 청년만이 가지는 약간은 센티멘털하며, 다소 우울한 느낌을 드러낸다. 세밀하게 묘사된 장갑을 보면, 그 안에 들어 있는 손의 움직임까지 명확하게 드러날 만큼 운동감 있게 표현되어 있다.
이와 반대로 모델이 입은 옷의 질감이나 크기 등은 명암 대조 효과를 극대화시켜 표현했기 때문에 정확하게 윤곽을 느낄 수가 없다. 얼굴에 나타난 그늘진 표정과 검은 의상, 안에 받쳐입은 고급스런 하얀 셔츠, 그리고 오른손에 끼어진 반지 등을 통해 모델과 티치아노의 거리를 어렴풋이 짐작할 수 있을 뿐이다.
이 작품이 완성되고 20여 년이 흐른 후에 완성된 <젊은 영국인>이라는 작품에서는 좀더 사실감이 풍부해지는 양식으로 바뀌는데, 두 작품 사이의 가장 큰 변화라면 "눈빛"의 표현이 극도로 정밀하게 묘사되었다는 점이다. <젊은 영국인>과 비교하여 볼 때, 모델의 내면 세계를 섬세하게 포착하였다는 점이 주목할 만하다.

매장, 1525년, 캔버스에 유채, 148 x 205cm
이 작품은 만토바의 곤자가의 의뢰로 그려졌으며, 티치아노의 전 회화 작품 중 가장 뛰어난 작품 중 하나로 손꼽힌다. 작품의 소재는 라파엘의 <그리스도의 매장>에서 가져온 듯하다. 서정성이 넘치는 베네치아 장려 양식의 대표작으로, 이후 수많은 화가들에 의해 모방과 찬미의 대상이 되었다.
이 그림은 <그리스도의 강가>라는 이름으로도 알려졌는데, 제목이 말해주듯이 십자가에 못 박혀 죽은 그리스도를 끌어내려 그의 제자들이 묻으러 가는 장면을 묘사한 것이다. 색채에 깊게 매료되었던 티치아노는 이 작품에서 그리스도의 시신을 가장 밝게 표현하고 있다. 그를 들고 가는 사람들에 가려져 드러나지 않는 그리스도의 얼굴에서 죽음의 비통함이 상징적으로 나타나고, 죽은 자에 대한 비통함이 여러 인물들 표정에 가득하다. 검은 구름이 잔뜩 드리워진 화면으로 꿈틀거리는 인물들의 근육들은 그리스도의 죽음에 분노하는 듯이 생생하다.
그리스도의 발치에는 십자가에 못 박힌 자국이라는 뜻을 가진 스티그마타(Stigmata)가 보인다. 화면 가운데 죽은 이를 감싼 포대를 들고 있는 한 남자의 옷은 비현실적으로 티치아노가 살았을 당시의 의상으로 묘사되었다. 이는 티치아노가 그림의 사실성보다는 인간의 슬픔이라는 주제에 보다 중점을 두었음을 가늠하게 한다. <그리스도의 죽음>보다 50여 년 뒤에 완성한 작품 <면류관을 쓴 예수상>에서는 보다 격렬한 육체의 움직임을 표현한 필치와 빛과 색채가 완전한 조화를 이루는 것을 볼 수가 있다

<우르비노의 비너스 >

메디치가의 다양한 수집품 가운데세 티치아노의 작품이 가장 많은 데, 그 중에서 이 작품의 제목은 우르비노 공국 로베레 가의 컬렉션에 속해 있었던 되서 비롯되었다. 이 그림은 성서나 신화를 빌리지 않고 티치아노가 상류사회의 관능적 쾌락을 위해 그린 여성 누드이다. 선홍색의 붉은 물감, 빛바랜 흰색, 그리고 여인의 온화한 상아빛 피부색이 그림의 기조를 이룬다. 비너스의 상아색 피부는 그녀가 누운 빛바랜 침대보에 반영되어 얼룩강아지의 흰 털에 옮겨지며, 이어서 몸을 구부려 옷을 찾는 하녀의 흰 옷과 침모의 흰 저고리에 투영되고, 침대의 붉은 매트리스는 침모가 입고 있는 치마의 붉은 톤과 빛바랜 분홍색 카펫에 반영된다. 비너스이 눈동자가 그림 감상자를 바라보는 초상화의 요소를 지니고 있어 실재 인물인 듯하지만, 비너스라는 이름이 말하듯 그 시대의 이상적 미인도라 할 수 있다. 섬세하고 조화로운 색의 배합에 능숙한 치티아노의 형식이나 형상보다는 색상을 이용해 그림을 구상하고 결합함으로써 유화 기법을 한 차원 끌어올렸다.

사크리드와 프로판의 사랑(거룩한 사랑과 속된 사랑)

청년기 작품이지만 그의 대표작으로 꼽히는 걸작 중 하나이며, 가장 고전적인 작품으로 알려져 있다. 이 그림은 주제를 사랑과 정열, 우화와 지실, 자연과 문명, 덕과 쾌락, 충만한 사랑과 미치지 못한 사랑 등 문학적으로 해석하려는 경향이 많았던 탓에 여러가자 이름이 있었으나 1792년 이후 "거룩한 사랑과 속된 사랑:을 불리게 되었다.
두 미인은 실플라톤적인 천상과 지상의 사랑을 상징한다. 화려한 의상을 입고 장갑을 낀 여인이 허영과 세속에 물든 물질적 사랑을 은유한다면, 검정 기름등잔을 왼손에 높이 들고 있는 나체의 처녀는 여성이라고 하는 두 개의 모피프를 대조시킨 것은, 여성의 미의 지실과 여성으로 상징되느 사상의 참모습을 그리려는 의도였다.

회개하는 마리아막달라
성서 중에서도 예외적으로 세속적이며 화려하게 꾸민 여성으로 표현된 이 주제는 티치아노가 여러 번 그린 작품이기도 하다. 특히 그 관능성은 그의 예술적 본질을 잘 전해 준다. 작품 전체에 감도는 투명한 광택, 괴이함과 아름다움을 두루 갖춘 둔탁한 빛은 특히 그 머리카락과 깉은 관계가 있다.
언뜻 보면 자신의 죄를 뉘우치며 자신을 낮추는 것처럼 보이지만, 길게 물결치는 머리카락에는 신이나 신앙에 대한 갈망이 격렬한 감정의 소용돌이로 바뀌어 나타나 있다. 배경이 되는 풍경의 목가적인 인상과 자연스러운 느낌은 베네치아파 특유의 것이다.

플로라 다이아나 놀리 메탕게레 자화상

틴토레토(Tintoretto 1518-1594)

강한명암대비와 불안정한 사선구도,격정된 동세감으로 '격한 사람'이란 별명을 낳게 되고 매너리즘에 많은 영향을 줌.

요셉과포티파르의처 갑옷입은사람 최후의 심판 터어키인과크리스트교도싸움 수잔나의목욕

피렌체파	베네치아파
내륙 교통의 요지. '꽃의 도시, 예술의 도시'	동방 무역의 항구도시. '아드리아해의 진주'
선중시. 이상미추구. 종합예술 지향	색채중시. 세속적. 감각적. 회화 중심주의
프레스토를 애호. 엄격한 이념.	유화의 발달. 사실적 풍경표현
17세기 이후 쇠퇴	18세기에 다시 융성