북유럽 바로크미술

·소시민에 의한 경제, 정치구조가 형성(상업에 종사하는 시민들이 모인 공화국 사회)

·교회나 절대군주와 같은 권력자들의 후원이 뚝 끊긴 네덜란드의 화가들은 다양한 장르의 주제를 개발

·작은 풍경화나 정물화, 그리고 초상화를 그리기 시작(미술시장에서 경쟁을 통해 판매)

·근검하고 철저한 청교도적인 생활을 기본으로 독자적인 미술(구교권인 벨기에 제외)

루벤스 Rubens, Peter Paul (1577 ~ 1640) 플랑드르의 화가

유럽을 무대로 활동하였던 국제적인 화가였다. 벨기에 안트워프에서 자란 그는 1600년부터 8년간 이탈리아에서 수련하며, 고대의 유물을 모사하고, 전성기 르네상스의 대가들 뿐 아니라 당시 로마에서 활동하던 카라바지오와 카라치의 미술까지도 섭취할 수 있었다.
북유럽 바로크의 주도적 인물로 거대한 화면에 사물을 운동감있게 배치하고 색과 명암을 풍부하게 묘사.
"루벤스가 그린 초상화를 모으면, 서유럽 17세기의 귀족 명사의 기록이 된다."고 할 정도로 그의 작품은 역사화, 종교화, 인물화등 각 분야에 두루 걸쳐 있다. 현란한 그의 작품은 힘찬 선과 화려한 색채와 아울러 웅대한 구도로 모두 생기가 넘치며, 야성적, 관능적인 표현에 능숙해 바로크의 특징을 모두 소화시키고 바로크 회화의 대표적 작가로 꼽힌다. 파리의 뤽상부르궁전의 21면으로 이루어진 연작 대벽화 마리 드 메디시스의 생애는 그의 기념비적 작품으로, 루벤스 예술의 모든 특질을 담고 있으며 바로크회화의 집대성이라 할 수 있다. 현란한 그의 작품은 감각적이고 관능적이며 밝게 타오르는 듯한 색채와 웅대한 구도가 어울려 생기가 넘친다. 외교관으로서도 활약하였으며 원만하고 따뜻한 인품으로 말미암아 유럽 각국 왕들의 존경과 사랑을 받았다.

아내 이자벨라 브란트와 함께 한 자화상(1609년)
이탈리아에서 막 돌아와 재능을 인정받은 루벤스와 좋은 집안 출신의 규수인 이자벨라 브란트의 결혼을 축하하기 위한 것이다. 신부의 보석같이 화려한 의상의 장식, 한손에 검을 만지작거리는 루벤스의 모습은 이 화가가 젊은 나이에 이미 세속적으로 크게 성공하였다는 것을 보여준다.

십자가에서 내려지는 예수 그리스도 (1612년. 안트워프 대성당)
그의 미술이 이탈리아와 플랑드르 전통을 융합하여 일찍이 높은 경지에 도달하였음을 보여준다. 당시 스페인으로부터 독립하고자 하였던 네덜란드 지역과는 달리 안트워프는 여전히 카톨릭 지역으로 남아 있었으며 안정된 경제를 바탕으로 교회 제단화 주문이 끊이질 않았다. 안트워프의 민병대가 발원한 이 제단화는 성화이자 동시에 이 길드의 집단 초상화이기도 하다.
예수를 십자가에서 조심스레 내리는 인물들의 다양한 포즈와 동세가 맞물려 화면의 전체적인 역동성을 만들어 내는 이 그림에는 루벤스의 이탈리아에서의 경험이 드러납니다. 예수의 강한 신체는 라오콘이나 미켈란젤로의 인체를 연상시키며, 흰 천에서 뿜어나오는 강렬한 조명의 효과는 그가 카라바지오의 유산을 소화하고 있다는 것을 의미한다. 100여 년전 뒤러가 그랬던 것처럼 그의 그림에서는 북유럽의 전통과 이탈리아 미술을 융합하고 있음을 알 수 있습니다. 그는 이처럼 이탈리아에서 시작된 바로크 미술을 전 유럽으로 확산시키는데 누구보다 큰 역할을 하였다.

평화의 알레고리(1629년. 런던 국립미술관)
화려하고, 대규모의 역동적인 역사화와 신화화를 거침없이 그려낼 수 있는 이 화가에게는 왕실과 교회의 주문이 쏟아졌고, 왕실과의 친분을 바탕으로 외교적인 임무도 능숙하게 수행하였다. 당시 유럽의 왕실들은 30년 전쟁으로 서로 반목하였으며 늘 전운이 감돌았다. 이 그림은 바로 왕실간의 갈등과 반목을 해소하기 위한 정치적인 교섭을 위해 그려졌다. 화면은 비너스와 팬의 풍요로운 축제가 벌어지는 밝은 전경과 전쟁의 소용돌이에 휩싸여 울부짖는 후경으로 나뉘어 있다. 투구와 갑옷으로 무장했지만 사라가 분명한 지혜의 여신 아테네가 전쟁의 신 마르스를 물러나게 하는 것으로 보아 이 그림의 평화의 메시지는 분명하다. 루벤스는 스페인 이사벨라 여왕의 명으로 이 그림을 가지고 영국에 화해의 메시지를 전하러 갔던 것이다.

수잔나프르망

그림의 실제 모델은 부유한 상인 다니엘의 딸이자 루벤스의 두 번째 아내인 헬렌의 언니이다. 다니엘의 딸들은 루벤스가 좋아하는 풍만한 몸매의 여인들로 그는 그녀들을 모델로 하여 신화적 주제의 종교화를 그리기도 하였다. 맑은 눈동자와 참신한 표정, 그리고 풍만한 젖가습은 아름다운 수잔나에게 젊음과 건강과 청순함을 부여하고 있다. 비스듬히 쓴 깃털 장식 모자와 그 아래오 흘러내린 가는 머리카락이 자연스럽고, 선명한 색감과 힘찬 터치는 모델에게 생생한 생명감을 부여한다. 청아한 여인상을 표현한 이 그림은 맑은 청색 배경에 빨강, 검정. 하얀색이 절묘한 조화를 이루어 한층 높은 격조를 보여준다.

최후의심판

르네상스의 거장들 중에서 티치아노와 미켈란젤로는 루벤스에게 위대한 스승이었다. 루벤스의 '최후의 심판'도 미켈란젤로와 밀접하게 연결된다고 하겠으나, 그보다는 거기서 배운 것들의 일대 집적이라 할 수 있다. 대각선을 이루고 있는 작품의 구도에서 여러 인물들의 동태는 저마다 방향을 달리하고 있어 시선을 분산시키고 혼돈케 한다. 장렬하고 신비스런 신의 들마라기보다 생명의 약동과 관능이 풍부하여 일종의 현실감을 보여 주고 있다.

루시퍼스의 딸들의 능욕

로마 신화의 쌍둥이 신인 카스토르와 폴뤽스가 메시니의 아름다운 두 왕녀 히라에이라와 포이베를 약탈하는 폭력적인 장면을 그린 이 작품은 사건이 말해 주는 비극적인 상황보다는 오히려 관능과 건강이 넘치는 생명의 약동이 화면을 지배한다. 여인들의 탄력잇는 매혹적인 살결은 약탈자의 검붉은 피부와 대조를 이룸으로써 극적인 효과를 한층 더해주고 있다.

삼미신
루벤스의 만년작으로 원숙의 극에 달한 최후의 찬미를 구가한 이 그림은 단순한 화면 구성에 그의 모든 역량이 세 여체의 표현에 집중되어 내적인 충만감을 수반하고 있느 아름다운 모습니다. 삼미신이란 제우스와 바다의 요정 사이에 태어난 아글라이아, 탈레이아, 유프로시네를 말하며, 이들은 비너스의 동반자가 되어 신과 인간에게 미와 기쁨을 가져다주는 것으로 생각되었다. 이상적인 여체상에 대한 루벤스의 견해는 독특하여, 목과 머리카락이 길어야하고, 젖가슴이 큰 동시에 등이 곧아야하고, 풍성하지만 탄력있는 엉덩이와 탄탄하고 굵은 허벅지를 갖추어야 한다는 등 매우 구체적이었다. 이 그림에서 그는 여체에 대한 이러한 개인적인 관점과 이상적인 아름다움을 결합시키고 있다. 여체의 관능적인 풍만한 몸매와 그 건강미에서 이상을 추구하였던 루벤스에게 그리스 신화의 미의 여신은 적합한 주제였다.

자화상

모피를 걸친 헬레네푸르망(1630년. 빈국립미술관)
루벤스는 53세 되던 해에 16살의 소녀 엘렌 푸르망과 결혼을 하게 된다. 젊은 아내의 건강한 누드의 육감적인 느낌은 검은 모피의 촉각적인 느낌 때문에 더욱 강조되고 있다. 이 이때를 즈음하여 그려진 초상화와 풍경화에는 더욱 더 그러한 삶의 환희와 밝음이 두드러진다. 일체의 장식성을 배제한 살색 중심의 작품으로 여인의 아름다움을 헬레네로 표출시키고 있다.

마르세이유 항의 도착 ( 1621-25년)
루벤스는 프랑스 왕실의 사건들을 신들의 이미지에 뒤섞어 그림으로써 권력자들을 미화하는 궁정장식의 그림을 수없이 남겼다. 이탈리아 메디치 가문출신의 프랑스 왕비가 마르세이유 항구에 도착하는 장면을 그린 기록화는 바로크 시대 미술이 권력자들을 미화하는 데 큰 역할을 하였던 것을 보여주는 단적인 예라 할 수 있다.

할스(Frans Hals 1580-1666)

평생 네덜란드를 떠나지 않고 암스테르담에서 작업하였던 화가.집단 초상화로 유명. 순간적 표정 포착에 탁월. 장수했지만 늘 빚에 고통을 받다가 양로원에서 죽음.17세기 네덜란드 시민들의 유쾌함과 당당함을 생생하게 포착하는데 뛰어난 솜씨를 발휘

취한술꾼

할스는 대단한 애주가였다. 그런 만큼 그는 술을 즐기는 사람의 모습이나 표정을 누구보다도 정교하게 표현할 수 있었다. 거나하게 취한 사나이를 그린 이 작품은 소박하고 밝은 서민의 모습을 담고 있다. 커다란 검은 모자의 넓은 테와 흰 레이스의 목 장식으로 얼굴을 더욱 부각시켜 작가의 인간 관찰의 탁월함을 보여주고 있다.

신혼부부 집시여인 사관의초상

렘브란트<Rembrandt Harmenszoon van Rijn> (1606.7.15~1669.10.4)

네덜란드의 대표적인 화가. '명암의 화가. 유럽 최대의 화가. 렘브란트는 암스테르담 고급 주택가에 저택과 작업실을 마련하고 많은 조수와 제자를 거느렸으며 동방의 골동품이나, 판화, 미술작품을 수집하는데 열성적이었다. 사실 그가 파산하였던 것은 모아들인 돈을 잘 관리하지 못하였던 데 더 큰 원인이 있었던 것이다.

플로라로 분장한 사스키아 (1634년. 성 페테스부르크 에르미타주 미술관)
1631년 암스테르담으로 이주한 렘브란트는 뛰어난 초상화 솜씨로 일찍이 성공을 거둘 수 있었으며, 부유한 상속녀 사스키아와의 결혼은 그의 성공에 날개를 달아주었다. 그의 그림에서 꽃의 여신 플로라로 분장하고 등장하는 어린 사스키아는 비너스로 분한 루벤스의 헬렌에 해당하는 것 같다.

십자가에서 내림(1634. 뮌헨 알테피나코텍)
네덜란드에서는 남부 플랑드르와 달리 종교화의 주문이 거의 없었던 점을 생각해 볼 때 렘브란트의 종교화는 17세기 네덜란드 회화에서 매우 독보적인 것이다. 그의 종교화는 자신의 경험과 이웃이었던 유태인들과의 교류, 그리고 성경에 대한 지식에 바탕을 둔 것이었다. 렘브란트의 신의 아들은 너무나 연약하다. 렘브란트 그림에 배인 이러한 인간적인 슬픔이 보는 이들에게 깊은 감동을 주는 것인지도 모른다.

벨벳 모자를 쓴 초상화 (1640년)
렘브란트의 부드러운 모피가 달린 벨벳상의와 멋진 모자 역시 화가의 지위와 야심을 말하는 것이고 화면의 전체적인 빛의 조화가 우선한다.

직물조합 길드원들의 초상 (1662)
직물길드 임원들의 모임을 기념하는 초상화를 그렸다. 눈앞의 붉은 직물의 두툼한 질감을 통해 주문한 길드의 특성을 살리고 검고 흰 신교도들의 의상의 조화가 더없이 아름다운 이 초상화의 주인공은 네덜란드 번영의 주역인 상인들의 초상화였다. 한 역사가는 "형제애를 보여주고 있는 이 다섯 명의 평의원들은 네덜란드 공화국의 힘과, 상업, 그리고 관용의 전형적인 상징이다."라고 하였다.

수잔나와 두노인
르네상스풍의 요새를 배경으로 수목 아래에 있는 샘에서 수잔나가 벌거벗고 목욕할 때 엉큼한 생각을 품은 두 노인이 살그머니 나타나 그녀에게 비도덕적인 제안을 하지만 정숙한 그녀는 거절한다. "내가 주님 앞에 죄를 짓는니 차라리 깨끗한 몸으로 이들의 모함에 걸려드는 편이 낫겠다."수잔나는 순결과 죽음을 동시에 택한다. 한쪽 발을 물에 담근 채 몸을 앞으로 숙인 여인의 모습과 하얀 피부에서 수잔나가 히브리어로 백합 또는 수련을 뜻함을 알 수 있다. 옛부터 구약의 가르침으로써 저해 온 수잔나의 이야기를 희미한 어둠 속에 전개시키고, 그녀의 나체와 두 노인의 얼굴에만 빛을 비추고 있다. 인물과 사물의 외관은 변하기 쉬운 빛으로 표현되고, 거기에 뉘앙스가 풍부한 운동이 더해진다. 운동은 동시에 인물의 성격과 극적인 순간을 강조하고 있다.

자화상(1629년)
렘브란트의 자화상은 그의 삶을 이야기하는 것이 아니라 그가 지닌 화가로서의 야망을 구체화한 것이다. 자신의 얼굴을 통해 표현이나 자세의 가능성을 하나하나 탐구하였다. 이 자화상은 젊은 날의 패기는 없으나 대신 원숙기에 이른 한 화가의 당당한 모습이 잘 표현되어 있다. 얼굴과 어깨에서 시련을 겪은 한 인간의 굳센 의지를 볼 수 있다.1656년에 파산선고를 받은 그는 경제적인 역경과 이에 따르는 온갖 어려움을 정신력으로 극복했다. 이 초상화는 극복의 의지가 보이는 마지막 자화상인 것 같다. 왜냐하며 그 후의 초상화에서는 노경이 두드러지게 나타나기 때문이다.

자화상(1640년)
렘브란트가 34살에 그린 이 자화상은 16세기 티치아노의 유명한 (자화상)을 염두에 둔 작품이다. 렘브란트는 화면 선반에 팔을 걸친 반신상 형태의 포즈와 풍성한 소매의 고급스러운 직물의 질감을 자신의 자화상에서 그대로 시도하였다.

자화상(1656-58. 빈국립미술관)

자화상1(1658)
렘브란트에 대한 기록이나, 전기가 충분하지는 않지만 다른 어떠한 천재들보다도 그에 대해서 더 많은 것을 알고 있는 것처럼 느껴지는 것은 그가 남겨 놓은 수많은 자화상 때문일 것이다. 저명한 미술사학자 곰브리치는 "할스의 초상화가 스냅사진처럼 한 순간을 포착했다면, 그의 초상화는 인물의 전 인생을 말해준다."라고 했는데, 이말은 렘브란트의 초상화를 보았을 때의 느낌을 잘 말해주는 것 같다.

자화상2(1661년)

두철

야경(1640년. 암스테르담 국립미술관)
1640년대 렘브란트의 전성기 시대에 그려졌다. 현대 전하는 이 그림은 화면의 양옆이 조금씩 절단되어 원작보다 다소 복잡한 느낌을 주지만, 이전의 그룹초상화를 넘어서는 대담한 구성으로 마치 대규모의 역사화처럼 보인다. 그동안 이 그림은 표면이 많이 더러워져 밤의 장면을 묘사한 것으로 잘못 알려져왔을 뿐 아니라, 렘브란트가 이 그림으로 인해 주문이 끊겨 몰락하게 되었다는 오해가 늘 따라다녔다.
렘브란트 작품 중에서도 가장 많은 일화가 얽힌 이 그림은 1975년 한 정신 이상자의 습격으로 훼손되었지만, 지금은 깨끗이 복원되어 있다. 일명 '바닝코크 대장의 경비대'로 불리는 이 그림은 렘브란트 예술의 전반기를 대표한다. 종래의 어느 화가도 시도하지 못하였던 장엄한 분위기의 단체 초상화로 약동감이 넘치는 군상이다. 그러나 제작 비용을 댄 모델 당사자들은 자기 표정의 정확한 사실적 재현을 원했디 때문에 불만이었다. 렘브란트는 그들의 기상과 조화에 초점을 맞추었지 인물 표현의 산술적인 배분은 별로 중요시하지 않았다. 1640년경부터 렘브란트는 표면적인 묘사보다는 인간 자체를 추구하면서 세속적인 인기에 연연하지 않았다.

유태인신부
윤곽선을 강조하기보다는 물감을 퇴적시켜 마치 빛이 그 안에서 스며 나오는 것과 같은 회화적인 기법은 '렘브란트의 빛'이라고 불리우는 그의 트레이드 마크였다. 렘브란트는 빛과 물감의 물질감이 어우러진 회화기법을 사용하여 그림에 신성을 담아내었다. 이삭과 레베카로 분장한 한 유대인 부부의 초상화는 렘브란트의 회화적인 특징을 잘 보여준다

학자 해부학 다이에나 목욕하는여인 에칭작품 가족

베르메르<Jan Vermeer 1632-1675>

네덜란드거장 중 가장 조용하고 온화한 예술 창조. 화면 분위기와 빛의 미묘한 도입. 실내 여인상과 일상적 생활 정경을 주제로 신비롭고 시적인 세계를 높임

우유 따르는 여인(1658)
방의 한 구석 빛이 부드럽게 스며드는 창을 마주하고 우유를 따르는 여인의 일상적인 모습이 하나의 의식처럼 보인. 여인의 몸과 흰 머리쓰개의 색채와 형태적인 대비, 테이블 위에 놓인 마른 빵의 바스락거리는 소리가 들릴 것 같은 촉각적인 질감의 표현, 화가는 모든 정성을 다하여 눈에 보이는 이 작은 공간을 캔바스의 화면에 응결시킨다. 베르메르의 일련의 풍속의 장면들에 여러 가지 상징과 의미가 있기는 하지만 우리가 그의 세계에 매료되는 것은 무엇보다도 조형적인 공간의 완벽성에 있다.

금을달고있는여자 부엌의여자 편지 작은거리