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 야수파미술(루오.뒤피)

                             마티스.   드렝. 블라멩크   루오. 뒤피

루오(Georges Rouault)-(1871~1958) 프랑스의 화가.


파리 출생. H.마티스, P.피카소 등과 함께 20세기 전반을 대표한다. 가구 세공사의 아들로 태어나 어려서부터 예술적 재능을 나타내어, 10세 때부터 그림공부를 시작하였다. 그러나 가난한 집안 형편 때문에 14세 때부터 공예미술학교 야간부에 다니면서 주간에는 스테인드 글라스 업자의 견습공으로 일하였다. 거친 질감과 두꺼운 윤곽선에서 느껴지는 깊은 맛은 스테인드 글라스의 조형성에서 영향을 받은 것이다.
그의 색채는 깊고 탁하며, 힘차고 단순화된 선에 의한 형태가 두터운 색 층속에서부터 배어져 나온다. 검은 윤곽선에 의한 색면들은 중세 스테인드 글라스에서 볼 수 있는 구획성을 상기시키며 그의 그림을 중세의 종교화와 같은 무게감을 갖게 한다.
루오는 스스로를 현대사회의 사람이 아니라고 생각했던 인물로 실제로 그의 삶은 대성당을 짓던 중세기에 속하는 것이었다. 그림이 점점 순수한 회화성을 강조하기 시작한 20세기에 있어서 루오는 끝까지 인간애의 정신을 관철시켰다.
마티스와 함께 모로의 제자였던 루오(Georges Rouault)는 포비즘의 주변에 있어 독자적인 세계를 구축하였다. 동문이 포브들이 분방한 색체를 빌어서 생의 기쁨을 노래하고 있을때에 루오의 눈은 신이 없는 인간의 비참함에 쏟아졌다. 창부, 피에로, 재판관, 거만한 부자와 가난한 사람들―이러한 주제를 루오는 격렬한 분노와 절망감을 담아서 계속 그렸다. 주제면에서나 그 호장된 표현에서도 초기의 루오는 오히려 표현주의에 더 가깝다. 그러나 마치 히브리의 예언자의 분노와도 같은 격렬함에서부터 루오의 예술은 나중에는 조용함에, 다시 만년의 환희에로 드높아져 영원한 주제 그리스도에로 수렴해 간다. 그것은 또 루오의 어두운  색채가 그 중후한 마티에르의 바닥에서부터 깊은 내면적인 속 빛을 내어가는 과정이기도 하였다.
지난 날 인생에 대한 회의의 절망적인 표백이었던 그림은 이제는 그의 혼의 구원으로 된다. 루오의 예술의 표현주의로부터 나누는 것은 이 정신성과 조형성과의 보기 드문 일치이다. 중세의 스테인드글라스를 상기시키게 하는 이 마티에르의 깊은 광택은 높은 정신성 없이는 생각할 수 없음과 동시에 이 정신성의 높이는 끊임없는 메치에의 정신을 통해서만 도달할 수 있었던 것이었다.

老王(늙은 왕)

노왕(老王)의 표정은 몹시 침통하다.이 작품에서는 왕의 권위나 위신 등은 찾아볼 수 없다.

왕관 그리고 화려한 의상에서도 그와 같은 허영심은 없다. 마치 <수난의 그리스도> 나 <상처입은 도화사> 상과 일맥 상통하는 인간상이다.

신비롭게 가라앉은 화면 처리는 마치 중세 시대의 없는 것을 보면 다시 가필하려는 작가의 고원(高遠)한 인간상을 물씬 느끼게 된다.

한편 이 작품은 루오 인간상의 작품 중에서 가장 작가의 정신 내부를 잘 표현한 걸작이다.

 

聖顔(성안)

루오를 가리켜 흔히 20세기 최대의 혹은, 혹은 유일한 종교화가라 일컫는다. 확실히 그는 그리스도를 많이 그렸고, 성서 이야기를 주제 삼은 작품을 많이 남겼다. 그러나 루오가 그리는 그리스도는 예배의 대상으로서의 하느님의 아들 그리스도는 아니다. 현실 세계에서의 인간의 죄와 악을 미워하고 슬퍼하는 마음의 충동으로 그는 그리스도의 여러 얼굴을 통한 상징적 화면을 만들고 있는 것이다.
루오의 그리스도에는 진실을 갈구하는 인간의 고뇌가 빚어져 있다. 그것은 분노와 절망을 감춘 고독의 모습이다. 1930년대에 접어 들면서 루오의 색채는 더욱 깊고 투명해지며, 힘차고 단순화된 필선의 형태가 두터운 색층 속으로 부각돼 나온다. 후년에 가면서 그는 노랑색을 많이 쓰게 되는데, 이 작품에 그 초기의 징후가 나타나 있다. 루오는 타락한 세계의 모습을 우려한 반 고호와 고갱의 진정한 후계자이다. 여기 이 걸작은 루오의 작품으로서 프랑스 국립미술관에 들어간 최초의 작품이다.

 

저녁놀

루오는 1937년부터 39년까지 많은 풍경화를 그렸다. 1920년경에 그린 <교외의 그리스도>, <성탄절 풍경> 등에 비하면 화면(색조)이 맑아졌다.

이미 그의 풍경화는 시각의 자연에서 심각(心覺)의 자연으로 변해 온 것이다.

구도나 여기 등장되는 건물, 인물들은 물론이지만 광선 처리나 화면의 전반적인 분위기가 종교인으로서의 심각적 감정에서 솟아난 새로운 차원의 세계이다.

그리스도와 2, 3명의 인물들이 노상에 서 있을 뿐이다. 자유로운필치, 굵은 선, 충만된 구성 등 실로 놀라운 경지를 보여 주고 있는 것이다.

특히 녹색조(綠色調)의 하늘 처리 등은 격조 높은 그의 품위를 말해 주는 듯하다.

 

푸른 새

전쟁 중 연극계에서 명성을 얻은 여배우마리아 라니가 모델이 되었다.

고개를 약간 갸우뚱한 자세로 눈을 아래로 깔고 있는 이 미녀는 루오 자신이 화면 윗부분에 표기해 둔 바와 같이 '푸른 새'를 상징적으로 그리면서 화면을 정리하고 있다.

유럽에서는 '새에게 노래를 시키려면 눈을 멀게 하라'는 습관이 있다. 그와 같은 속세적인 것에서 취재, 비록 새를 상징한 얼굴을 그렸지만 루오는 이를 자신의 예술과 비유한 것으로 해석된다. 루오는 훨씬 더 차원 높은 그의 인간상을 주제에 용해시켜

 

소가족

대작을 별로 안 그린 루오에게는 예외라고 할 수 있을 정도로 대작이다.

높이만 2m가 넘는다. 원래 이것은 규도리 부인에 게서 의뢰받은 다피스리를 위한 그림이다.

매우 감동적인 표현이다. 상처 입은 가족 중의 한 사람을 두고 서로가 위로하는 장면을 그리고 있다. 생활의 고통을 나누려는 표정은 무한한 인간의 사랑을 말해 주는 듯, 아니 보다 더 종교적인 차원에까지 끌어 올리고 있다.

필경 루오는 이와 같은 슬픈 사연의 사람들을 등장시키고 있는데, 궁극적으로는 그것에서 인간의 참다운 행복과 사는 보람을 느끼고 있는지도 모르겠다.

 

道化師(도화사) 빨간 코

관객들 앞에 나와서 웃음을 팔던 도화사들이 이제부터 자취를 감추게 된다.

주로 수채를 써서 그린 제 1기에 해당되는 작품 들은 인간 사회에서 최고로 노동을 강요당하던 비애와 슬픔에 얽힌 군상들이다.

그러다가 제 2기에 들어서면서 내면적인 변화가 점차 심화되어 가는 것을 발견할 수 있다. 이 작품은 수채화가 아닌 유채화이다. 뿐만이 아니라 관중 앞에 나온 도화사도 아니다.

그의 억세고도 굵은 상과 그리고 강렬한 색채 및 표정 등은 전자보다 더욱 작가의 내면적인 상을 보여 주고 있다.

이와 같은 양식은 만년에 이르기까지 계속된다.

 

거울 앞의 娼婦

루오는 1902년 이후 무서운 정열로 일련의 창부들을 그리게 된다. 이 작품은 그 중에서도 유명한 작품이다.

그는 많은 나체의 창녀들을 그리고 있는데 그들의 고달픈 삶의 탓일까? 모두가 노기(怒氣)가 서린 표정들이다.

이 작품 역시 냉정한 입장에서의 사회 관찰이나 비판성은 전연 찾아볼 수 없다. 오직 노기에 찬 격렬한 고발심과 격정적인 분위기를 표출하고 있다.

이 작품이 단숨에 그린 수채화라는 데 주목해야 한다. 드가나 로트렉도 나부를 많이 그렸지만 화면에서 풍기는 냄새가 전연 이질적으로, 루오 특유의 세계가 잘 나타나 있다.

 

이집트로의 피신

그리스도,재판관,서커스 단원, 게다가 창부에 이르기까지, 루오는 오로지 인간에만 관심을 가졌다고 말하는 것은 잘못이다. 물론 그는 인간의 참모습에 어느 누구보다도 집착했지만, 풍경도 그렸다. 그는 서커스 단원이나 창부를 그리기 전에 오히려 풍경을 많이 그렸다. 풍경은 처음부터 루오의 중요한 주제의 하나였던 것이다.
이 작품은 명제가 말해 주듯이 성서에서 주제를 얻었다. 그러나 하나의 풍경화로 전개돼 있다. 이를테면 성스런 풍경이라고 할 수 있겠다. 루오는 자연을 객관적으로 그리지는 않는다. 풍경에 초월적인 가치를 부여하려고 한다. 그러한 그의 풍경화에는 반드시라고 할 정도로 태양이 나타나며, 그것이 화면에 현실을 초월하는 어떤 상징성을 부여하는 것이다

 

예수그리스도

뒤피Raoul Dufy (1877.6.3~1953.3.23)

프랑스의 화가. ·디자이너. 프랑스 르아브르 출생.
14세 때 커피 수입점 종업원으로 가계를 도우며 밤에는 미술학교에 다녔다.
1900년 시로부터 장학금을 받아 파리의 미술학교에 입학하여 L.보나르 문하에서 본격적인 미술공부를 하였다. 처음에는 인상파풍의 그림을 그리다가 05년 H.마티스의 작품에서 계시를 받고 포비즘운동에 가담, 강한 선과 선명한 색채로 대담하게 단순화된 표현을 전개하였다. 1908년경부터는 사진과 큐비즘의 경향에 이끌려 감화를 받고,1913년경부터 큐비즘에 근거를 두면서도 점차 독자적인 작풍을 이룩하였다. 1911년경부터 장식미술에도 진출, 폴푸아레 의상실에서 직물염색 디자이너로 일하였다. 이 일은 그의 특색인 밝은 색채와 경쾌한 구도에의 기호를 한층 살렸다고 할 수 있다. 1922년 이탈리아의 시칠리아섬을 여행한 후, 자유분방한 선과 명쾌한 색채성을 합성한 장식적 양식을 확립하여, 유화 외에 수채화에도 뛰어나 부동의 명성을 획득하였다. 작품에는 해안의 산책길·경마장·악회·요트경기 등을 다룬 것이 많다. 이들은 단순화된 소묘와 대담한 색채의 조화 속에서 현실과 환상, 프랑스적 매혹과 우아성을 강하게 표현하여 보는 이에게 유쾌한 생의 기쁨을 준다.
깃발로 장식한 르 아브르의 길
1877년 뒤피는 음악을 즐기는 예술적 분위기의 가정에서 태어났다. 그는 이러한 음악적 분위기를 빌어 독자적인 용필의 경지에 이르러서는 경쾌하고 동적인, 빛깔이 낳는 새로운 발견과 함께 그만의 독자적인 회화세계를 전개 하였다.
이 그림은 뒤피의 고향 르아브르의 항구도시를 그린 것인데, 이는 그가 젊은시절부터 즐겨다룬 소재이다.
똑같은 길거리를 주제로 알베르마르케도 그렸는데, 그것은 전체적으로 어두운 그림이지만 뒤피의 것은 명이 분명하고 원근법을 무시한 삼색기를 중심에 배치, 깃발을 통하여 보게 함으로써 움직이는 인물과 깃발을 동시에 묘사하고 있다.

겔마 골목의 아틀리에
미완성만 같은 끝냄의 효과가 오히려 독특한 매력을 풍긴다. 사실 뒤피는 미완성 상태의 묘미를 특징적인 효과로 살리곤 하는 일이 자주 있다. 선이 교정된 혹은 반복된 흔적을 그대로 남기면서, 그 경쾌한 리듬으로 보는 사람의 눈을 유도한다. 때로는 붓을 대다 만 여백의 효과를 보여주기도 한다. 이러한 여백은 동양의 회화에서는 일찍부터 중요한 의미를 갖는 것이었지만, 화면을 가득 채워야만 했던 서구 회화의 전통에서는 찾아볼 수 없는 독특한 방법이다.
한편, 이 작품은 거의 직선만으로 화면이 구성돼 있다. 깔개, 벽지의 꽃무늬, 테이블 등에 약간의 곡선이 나타나 있을 뿐, 그밖에는 모두가 직선 구조이다. 미완성인 채로 독특한 매력을 지닌 이 작품은 일단 손을 놓았다가 뒷날에가서 다시 손질을 시도했던 것으로 알려져 있다. 두 방을 한꺼번에 본 비전을 뒤피는 즉질적 변환의 조형성과 색채의 환상적 장식성, 그리고 평면성의 특이한 아름다움으로 가득 채우고 있다.

바하를 예찬하며
뒤피는 1908년 무렵에 와서는 야수파의 색채의 향연으로부터 세잔의 견고한 화면 구성으로 관심을 옮기기 시작하면서 대상을 평면화시키는 일련의 작품을 그리게 된다. 다시 말해서 입체파적인 그림을 그리게 된 것이다. 이 입체파적인 방법의 시도는 그후의 뒤피의 작품에 선묘적인 요소로서 변모한다. 가령, 자잘한 선으로 윤곽을 삼고, 다시 그 윤곽을 밀어내듯이 평면적으로 색채를 가하는 수법이다. 뒤피의 작품 하면, 이러한 수법이 가장 잘 알려져 있다.
한편 뒤피의 자잘한 윤곽선은 화면에 풍부한 리듬감을 가져다 주고 있고, 겅쾌한 아름다움을 창출한다. 타계하기 1년전인 1952년에 74세의 고령으로 그린 이 작품에도 그러한 특질이 잘 빚어져 있다. 정경은 다분히 마티스를 연상시키지만, 이 화면의 결정적 요소인 선은 뒤피의 선명한 세계이다. 밝고 경쾌하며, 전체 화면이 음악적인 향기로 가득 차 있다.

무제   open Window, nice  여인상