입체파 피카소

Picasso, Pablo (1881~1973)

나는 사물을 본 대로 그리는 것이 아니라 내 생각대로 그린다.

사진1(1888) 2(1904) 3(1957)

스페인의 한 도시 말라가의 하얀 저택에서 피카소가 태어난 때는 1881년 10월25일...
아버지는 시골 미술학교 선생님이자 비둘기를 소재로 많은 그림을 그린 화가였다.
피카소는 말을 배우기도 전에 그림을 그릴 줄 알았고 태어나서 처음으로 사용한 단어가 "연필"이였다.
10세 때 이미 아버지를 능가하는 그림 실력을 가지고 있었던 피카소는 14세 어린 나이로 바르셀로나 론자 미술학교에 입학하게 된다. 이 후 16세까지 스페인 미술학교의 모든 콩쿠르를 거의 다 휩쓸어 버려 더 이상 치러야 할 시험이 없었던 피카소는 이렇게 외쳤다. "나는 결코 어린아이다운 데생을 하지 않았다. 난 12살에 이미 라파엘로처럼 그림을 그렸다."
1900년 19세의 피카소는 바르셀로나 뒷골목에 있는 '검은 고양이'라는 선술집에서 첫 번째 전시회는 갖는다. 150여 점의 데생들은 대부분 시인, 작곡가 등 예술가 친구들의 모습을 스케치한 작품이었다.
그해 피카소는 천재 예술가들의 집합소인 파리로 간다. 피카소에게 있어 파리는 성공의 기회가 있는 곳이었고 파리에 머물러야 한다는 사실은 성공의 지름길이기도 했다. 파리에서 처음 몇 달 동안은 그 곳의 모든 박물관을 빠짐없이 순례했다. 인상파 화가들의 그림 앞에서 넋을 잃었으면 드가, 툴루즈 로트렉, 고갱, 반 고흐의 그림들에 대해서는 정열적인 탐색을 하였다. 특히 툴루즈 로트렉의 기이한 그림에 가장 관심이 많았다. (로트렉은 초기 근대 판화부분을 개척한 거장 중의 하나다. 프랑스 무도회장과 무희들의 모습을 소재로 한 여러 인상적인 작품들은 오늘날에도 전세계의 관람객들의 상상력을 자극한다. 1890년대 당시로서는 새로운 기술인 칼라 석판 인쇄술 분야를 개척함으로써, 풍자적이면서도 아름다운 거리 광고의 표현형식을 발전시킬 수 있었다. 그의 친구가 지적한 것처럼, 그의 작품에서 보이는 대담한 구성과 눈부시게 화려한 색상은 마치 뭔가에 얻어맞은 듯한 강렬한 효과를 발휘했다. 그가 제작한 포스터는 매일 광고를 바꾸는 파리의 여러 댄스홀의 광고에 쓰였기 때문에 고작 하루씩 정도밖에 벽에 걸리지 못했다. 하지만 오히려 그러한 이유 때문에, 몇몇 작품들은 매우 소중한 세기말의 작품들로 여겨지고 있다.비록 10년이라는 짧은 기간 동안만 판화작가로써 활동했지만, 350점이나 되는 많은 작품을 남겼고, 이중에서 많은 작품들이 판화 예술의 걸작으로 인정받고 있다.)
또한 당시 남들은 야만적이라고 거들떠보지도 않던 페니키아와 이집트의 예술에도 크게 매혹되었다.
그러던 어느날 풍운의 꿈을 안고 파리에 동행했던 절친한 친구 카사게마스는 실연으로 권총 자살을 하게된다. 이 소식은 피카소에게 큰 충격을 주었다. 이 시기에 그는 온통 푸른색으로만 세상을 본다.
청색은 비참과 절망에 조화되는 차가운 색이다. (청색시대 : 1901~ 1904 )
로맨틱한 파리생활의 또 다른 얼굴에는 잔인한 고통, 정신이상이 될 것 같은 현실이 있었다. 질병과 추위, 배고픔을 체험한 피카소는 밑바닥 삶의 근원적 외로움을 짙푸른 청색을 통해 나타낸다.
현대 도시에서 버림받은 비참한 사람들을 소재로 한 청색시대의 그림들이 다른 작품들은 제치고 부자들에게 그토록 인기가 있었을까?
1904년 23세의 피카소는 파리에 완전히 정착하게 되는데, 이 곳은 지독히 가난한 사람들이 모여 사는 세탁선이라고 불리는 빈민굴이었다. 세탁선은 파리의 가난한 예술가의 집합소로써 르느와르, 브라크, 막스 자콥, 모딜리아니 등이 살았던 곳이다. 또한 삼류가수, 목수, 약장수, 건달 등 다양한 계층의 이웃들이 있었다. 피카소는 평생을 상상할 수 없을 무질서 속에서 살았다. 정돈은 곳 머리를 굳게 한다고 생각했다. 무질서는 풍부한 아이디어와 창조력을 키우게 하는 토양이었기에 무질서는 곧 질서였다.
그 시기에 피카소는 조각가와의 결혼에 실패한 후 혼자 세탁선에 살고있던 페르낭드 올리비에를 만나게된다. 페르낭드는 "피카소를 처음 보았을 때 작고 까무잡잡했지만 눈빛은 너무도 강열했고 무척 불안스런 태도였지만 도무지 저항할 수 없었다" 고 했다.
그녀의 등장과 질병의 호전으로 불안과 초조는 가시고 자기 미술에 대해 점차 장밋빛 자신감을 얻는다. 피카소와 같이 살게 된 페르낭드는 그를 위해 갈게는 며칠 동안 꼼짝 않고 모델을 서 주기도 했다. 이들은 사랑했으나 너무도 가난해서 외출할 때 신을 구두 한 켤레조차 없었다. 그러나 이 시기에 피카소는 밥은 굶더라도 서커스 구경은 거의 매일 가다시피 했다. 또한 광대나 여성곡마사와 친한 것을 자랑스러워했다. 이 시기를 장밋빛 시대 (1904~1906)라고 하는데 장밋빛 시대에는 황토색과 연한 장밋빛을 많이 사용했다. 그림에는 곡예사나 그 가족들이 빈번하게 등장하는데 이는 단순히 이색적인 구경거리보다는 그들의 일상생활에 훨씬 흥미를 느꼈기 때문이다. 이시기의 작품에는 버림받은 사람들을 소재로 다루었지만 가난하고, 소외된 책임을 사회의 잘못보다는 개인의 무능이나 운명으로 보았기 때문에 비참하기보다는 신비스런 기운이 더 강했다. 그러기에 부유층에게 현실의 부조리를 잊게 해 주고 색다른 위안의 세계를 던져 줄 수 있었다.
1906년 25세의 피카소는 회화와 데생뿐만 아니라 조각과 판화에서도 명성을 떨치기 시작한다. 이 당시 미술품 상인 볼라르가 2000프랑을 주고 '장미빛 시대'에 해당하는 대부분의 그림을 사들였다. 이 일은 미술로 억만장자가 된 피카소 삶의 서막에 불과했다.
20세기미술의 최고의 혁명이자 피카소를 세계적인 화가의 위치에 올려놓게 되는 '큐비즘'의 출발점이 바로 흑인미술이었다. 원시적이고 본질적인 감각들을 '직선적'으로 표현한, 흑인 조각품과 탈에 깊은 충격을 받는다. 그는 계시처럼 다가왔던 흑인미술에서 지극히 단순한 기하학적 상징성과 순순한 감각을 발견했던 것이다. 즉, 입은 장방형, 눈은 원주, 코를 표현하는 구멍 등의 새로운 조형세계로의 문을 본 것이다. '큐비즘'의 혁명적인 시각은 그 이후의 미술과 영화, 건축을 포함한 모든 예술장르에 말로 표현할 수 없을 만큼 지대한 영향을 끼치게 된다.
'큐비즘'의 선구자로서 피카소의 전설적인 명성을 얻게 하는 작품이 바로 아비뇽의 처녀들이었다.
1907년 늦여름 26세의 피카소는 몇 달에 걸쳐 수 백장의 데생과 습작을 거쳐 거대한 작품을 하나를 완성했다. 그 유명한 아비뇽의 처녀들을 처음 공개 하던날 많은 사람들은 경악과 분노에 빠져 말을 잃었다. 대 화가였던 마티스는 격분했고 이 후 입체파의 쌍두마차가 될 브라크는 이렇게 외쳤다. "이거 마치 우리들에게 밧줄을 먹게 하거나 불을 들고 석유를 마시게 하는 것 같다"
친한 친구들조차 분노로 고개를 돌렸다. 그러나 단 한사람 현대 회화의 저명한 미술 수집상이 될 칸베릴러만이 칭찬을 하였다.
피카소는 아비뇽의 아가씨를 세상에 내놓은지 2년만인 28세 때부터 극심한 빈곤에서 벗어나 돈 걱정을 하지 않게 되었다. 사회의 흐름을 본능적으로 깨달아 과감하게 표현한 피카소의 작품은 사람들의 의심 섞인 눈에도 불구하고 러시아, 독일, 미국인들에게 꾸준히 팔려나갔다.
당시 페르낭드와 사귀고 있었던 피카소는 그의 친구인 마르쿠스의 애인 '에바'에게 반하여 열열한 구애를 하게된다. 이 시기의 작품 밑에는 항상 에바에 대한 사랑의 문구가 기록되어 있었다.
이때가 분석적 큐비즘의 시기로써 사물의 외면적인 모방을 하던 종래의 화법을 완전히 파괴하고 기하학적 도형으로 해체하여, 무엇을 그린 것인지 사람들은 분간하기 어려웠다.
마르쿠스는 결국 피카소에게 애인을 빼앗기고 만다. 화 가난 마르쿠스는 피카소를 만화로 풍자하여 분풀이를 했으나 그의 애인을 이미 피카소의 여자가 되었다.
1912년 31세의 피카소는 첫 번째 연인 이였던 페르낭드와 헤어지고 가냘픈 미모의 에바와 함께 살게된다.
이 당시 피카소가 캔버스에 물감과 관계없는 물건들을 사용함으로써 최초의 콜라주작품을 탄생시킨다. 철물점에서 쉽게 구할 수 있는 종이, 헝겊, 함석, 밧줄은 물론이고 물감에다가 모래와 톱밥을 섞어 사용하기도 했다. 이렇게 소박한 주제와 일상적인 재료들로 제작된 콜라주는 고상한 가치만이 예술이라고 여기던 부르주아 예술관에 맞지 않았으나 아이러니 하게도 오늘날 이런 작품들이 보험에 가입된 채 고상함을 찬양하는 작품보다 중요한 곳에 전시되어 있다.
1915년 12월14일 1차 세계대전 이듬해에 젊은 여인 에바 구엘은 결핵으로 세상을 떠나게 된다.
에바가 죽은 후 무수히 많은 여인들을 사귀었던 피카소는 자신이 무대미술과 의상을 담당했던 퍼레이드라는 공연에서 25세의 러시아 무용수 올가 코클로바에게 흠뻑 빠지게 되어 1918년 7월 12일 36세의 피카소는 아폴리네르, 막스자콥, 쟝콕토가 증인으로 참석한 파리의 한 교회에서 첫아들 파울로를 낳아줄 올가와 결혼식을 한다.
올가와 결혼생활을 하는 시기에 피카소는 입체주의가 아니 감상자의 입맛에 맞는 강렬한 사실주의 작품을 그린 탓에 일부 비평가들은 입체주의를 배신한 기회주의자라는 신랄한 비평을 가하기도 한다. 마흔을 갓 넘은 화가로써는 파격적인 가격으로 그림이 거래되었으면 점차 거부가 되어갔다.
아들 파울로를 낳은 후 유모, 요리사, 하녀, 운전수까지 둔 한층 더 사치스런 생활이 계속되었다. 올가의 깔끔한 기질과 지나친 상류사회의 생활로 피카소는 속박과 외로움이 더해졌다.
또한 1924년 불기 시작한 초현실주의는 피카소에게 격렬한 분열과 더욱 부채질하면서 이혼을 생각하게 한다. 1927년 46세의 피카소가 만난 마리 테레즈는 17세의 보기 드문 미인이었다. 미술에는 문외한이었지만 수영과 등산 등의 운동으로 단련된, 건강미 넘치는 천진한 소녀였다. 마리 테레즈는 피카소의 프로포즈를 육개월이나 거절했으나 끝내 받아들일 수밖에 없었다.
마리 테레즈의 18번째 생일이자 성년식 이였던 날 이후 피카소는 올가와 살고 있는 자신의 집과 멀지 않은 곳에 마리 테레즈를 위한 비밀거처를 마련해 준다. 피카소는 그녀의 성적 환상을 주제로 조각, 그림, 판화를 통해 다른 어떤 여인들을 그린 것보다 많은 수의 작품을 남겼다.
올가와 헤어지고 마리 테레즈와 함께 살던 피카소는 1935년에 딸 마야를 낳은 마리테레즈를 소녀같은 순종과 희생에도 불구하고 품위가 없고 무식하다는 이유로 잔인하게 버리고 지성적인 도라 마알을 만난다.
스페인 내전이 일어나고 작은 도시 게르니카는 불바다에 휩싸이게 된다. 피카소는 큰 충격을 받고 게르니카를 그리게 된다. 도라는 이 그림의 착상과 주제 뿐만아니라 그림이 완성될 때까지 침식을 같이하며 피카소가 '게르니카'에 열정을 쏟도록 격려했다. 한달 여만에 완성한 '게르니카'는 파시즘의 공포 앞에 의연히 맞선 분노의 외침이며 혁명의 상징이였다. 피카소는 이렇게 외쳤다. "회화는 장식하기 위해 만들어지는 것이 아니다. 그것은 대항하는 공격적이고 방어적인 전쟁의 도구이다."
독일의 히틀러, 이탈리아의 무솔리니, 스페인의 프랑코와 더불어 다시 한번 전 유럽이 2차세계대전의 소용돌이로 빠져들었다. 1940년 59세의 피카소는 전재의 공포 속에서도 그림을 그렸다. 그러나 독일군은 피카소를 타락한 예술가로 보고 비난하였다.
1944년 파리가 해방되자 피카소는 세계적인 인물이 되었다. 비록 총을 들지는 않았지만 나치의 블랙리스트 첫머리에 기재되어 있던 화가였다. 파시즘에 대항한 레지스땅스의 간판인물이 되어 버려 프랑스는 파리 해방 기념의 첫 사업으로 피카소의 작품전을 열게 하였다.
도라와의 관계를 유지하던 62세의 피카소는 1943년 어느 날 식당에서 21살의 프랑수와즈 질로를 만나 첫눈에 반한다. 피카소의 첫아들인 파울로보다 나이가 어렸던 프랑스와즈는 피카소와의 사이에서 아들 클로드와 딸 팔로마를 낳는다. 또한 날카로운 지성을 지녔던 바로 전 연인, 도라 마알은 피카소와의 이별로 인해 정신착란증을 일으켜 치료를 받아야 하는 불행한 여인이 되었다.
피카소는 공산당에도 입당하게되어 정치적인 영향력을 행사할 수 있을 정도의 예술가가 되었다. 그러나 공산주의 국가에서는 위대한 인물이라는 명성은 얻었지만 예술은 퇴폐적이라는 이유로 도외시되었다.
1949년 공산당이 평화운동을 상징할 수 있는 포스터를 피카소에게 의뢰한다. 그 포스터 한 중앙에는 한 마리의 비둘기가 앉아 있었다. 이 후 피카소가 그린 비둘기는 전 세계에서 평화의 상징이 되었다. 또한 1950년과 1962년, 두 차례에 걸쳐 레닌 평화상을 수상하게된다.
70대의 피카소는 도자기와 도기로 유명한 발로리스 시를 발견하고 흥분하다. 새로운 장르에 손을 댄다는 설레임 때문이였다. 피카소의 마지막 여자 쟈클린은 도자기공장 관리인의 조카로써 공장의 뒷일을 보살피고 있었다. 젊은 이혼녀였던 쟈클린은 피카소를 필사적으로 유혹하여 결혼에 성공한 피카소에게는 헌신적인 여자였다.
1961년 80세의 피카소는 쟈클린과 발로리스 시청에서 비밀 결혼식을 올렸다. 그 날 신문을 온통 장식한 이 사건은 많은 사람들을 놀라게 했다.
고령에 나이에도 불구하고 피카소는 이 전의 대가들의 작품을 재해석하였다. 옛 거장들이 작품을 풍자하고 모방하는 궁극적 목표는 어느 장르이건 같았다. 고전적 규율과 겨루기 그것을 더 잘 이해하기 위해 모방하기, 그 결과 그것에서 자유로워지고 싶었기 때문이었다.
실제로 피카소는 들라크루아의 <알제의 여인들> 14점, 벨라스케스의 <메닌느가의 사람들> 44점, 마네의 <풀밭위의 식사> 27점 등 과거의 그림을 재해석함으로써 전통과의 대화를 나누었다.
1978년 4월 8일 92세의 나이로 남프랑스 무쟝의 별장에서 사망하였다.

·20세기 최고의 천재

·다양한 스타일로 예술을 바꾸다 : 약 2만점의 작품(유화. 조각. 판화. 도예. 무대의상. 무대세트등).
청색시대 : 쓸쓸하고 차가운 청색
장미빛 시대 : 여인과의 사랑으로 밝지만 불안한 그림자 느껴지는 시대

·큐비즘이 준 충격 : 자신을 해방을 추구.

피카소의 여인들

피카소는 숱한 여자들을 사랑했다.
많은 여인들이 그의 곁을 스치고 지나갔는데...
그 중에서 올가 코클로바, 도라 마알, 마리 테레즈, 프랑스와즈 질로, 쟈클린 등이 피카소와 결혼을 하거나 동거 생활을 했던 여인들이었다.
이 연인들 중 65세의 피카소와 만나 10년간 동거생활을 했던 질로는 피카소와의 생활을 회고한 회상록을 발간하기도 했다. 그 책에는 피카소의 인격이나, 성격, 대인관계, 복잡한 여자관계들이 꾸밈없이 담겨져 있다.
피카소는 한 여인과 결혼이나 동거생활을 하면서도, 계속 다른 여자들과 사랑을 나누었고, 이러한 그의 고질화된 습벽은 그와 깊은 관계를 맺고 있었던 여인들에게 괴로움을 주었다.
여인관계에 있어서 그가 보여준 자세는 철저하게 자기중심적이었다. 여인들은 그의 욕정, 고독, 공허를 채워주는 존재로서 의미가 있을 뿐이었다. 따라서 더 이상 즐거움을 건네주지 못하고 시들한 모습을 보이거나 고뇌를 드러내고 인간적인 위안을 요구하는 여인에게 그는 헌신적인 애정을 보여 줄 수 없었다.
그가 유혹하고 소유하고 사랑하고 싶은 여인은 행복한 여인이었지 불행한 여인은 아니었던 것이다. 그러한 피카소의 자기중심적인 성격과 가치관 때문에 여인과의 사랑에서 어떤 아기자기함이나 인간적인 감동을 기대하기는 어렵다. 명성의 베일 밑에서 스며나오는 욕정, 변덕스러운 충동, 메마름과 공허 따위가 느껴져 올뿐이다.
피카소의 여인들은 질로처럼 인간적인 따뜻함을 구할 수 없어 스스로 피카소 곁을 떠나거나 버림을 받게 되었지만 그를 증오하지는 않았다. 올가나 마리 테레즈는 헤어지고 난 뒤에도 피카소의 주변을 맴돌았다. 질로 역시 그의 회상록에서 "파블로에게 끝없이 감사하고 있다"라는 말로 끝맺고 있다.
피카소의 여인들은 그와의 생활을 통해 평범한 사람들이 맛볼 수 없는 명성을 그와 함께 향유하였고 물질적인 보상을 받았다. 범용한 남자에게서는 체험할 수 없는 피카소의 창조적 열정과 성격을 통해 그녀들의 생애에 의미를 가져올 수 있었기 때문에 피카소를 증오만 할 수 없었던 것이다.

페르낭드 올리비에(1905년만남) <작품 속의 페르낭드1 2 3 4>

갑자기 휘몰아치는 비바람을 피해 피카소가 고양이를 안고 어느 집으로 들어갔는데 그 집이 페르낭드 올리비에 집이었다.
그녀는 피카소의 첫인상을 "그는 작고 까맣고 후줄근했으며 불안해하고 있었다. 그러나 눈빛만은 정열로 가득차 있었다"고 말하고 있다. 두사람은 사랑에 빠졌고 피카소는 페르낭드의 사랑과 함께 우울한 청색시대를 이별하고 분홍의 시대로 넘어간다 . 1905년의 마들렌느를 그렸을 때와는 분명히 다른 느낌과 색채로 스페인 특유의 따뜻함과 포근함이 드러나고 있다.피카소와 동갑이었던 그녀는 검붉은 머리에 키가 크고 균형잡힌 몸매를 가진 육감적인 여자였는데 항상 쾌활한 성격으로 피카소를 기쁘게 했다.

에바 구엘(1912년만남-1915년죽음) <작품 속의 에바1 2 3>

피부가 무척 하얗던 여인. 피카소는 구년에 걸친 페르낭드와 동거생활에 종지부를 찍고 그녀를 선택한다. 유달리 몸이 약했던 에바. 1차세계대전 이듬해인 1915년 12월 14일 이 젊은 여인은 결핵으로 죽는다.

올가 코클로바(1918년결혼-1935년헤어짐) <작품 속의 올가1 2 3>

<퍼레이드> 공연 때 만난 러시아 무용수, 피카소가 서른 여섯 살 때 처음으로 결혼을 한 여인이다. 올가는 서민적이고 편안한 것을 즐겼던 피카소와 달리 깔끔하고 상류사회적인 기질을 가졌다.
피카소가 세번째 여자 올가를 만난 것은 장콕토 때문이었다. 1917년 장콕토는 에릭 사티가 음악을 하고 디아길레프가 무대화하려는 발레의상을 부탁하기 위해 피카소를 찾았다. 피카소는 완강히 이를 거부하다가 발레리나 올가 코클로바를 보고 첫눈에 반해 응하고 만다. 디아길레프는 피카소에게 그녀는 유뷰녀이니 사랑에 빠지지 말라고 조언한다. 그러나 둘은 이듬해에 정식 결혼을 한다.
올가는 피카소에게 자신을 그리려면 얼굴을 알아볼 수 있게 그려달라고 부탁을 한다.
피카소의 그림이 고전주의로 회귀하는 계기가 된다. 올가의 초상은 피카소의 작품이라고 보기 힘들 정도로 고전주의 미학에 충실하고 있다.
그녀는 피카소의 첫 아들 파울로를 낳는다.

마리 테레즈(1927년만남) <작품 속의 마리1 2 3 4 5 6>

피카소가 마흔다섯 살이 되던 해인 1927년 당시 열일곱 살의 건강하고 관능미 넘쳤던 소녀.
당시 17세도 안된 그녀를 붙들고 46세의 피카소는 유혹한다. "나는 피카소라는 사람인데 우리 함께 대단한 일을 해보자" 지금까지 나온 그녀의 초상화는 10작품 이상이 된다.
피카소에게 가장 창조적인 영감을 준 여성이다.
큐비즘, 초현실주의 등 미적 실험을 통해 그려진 그녀의 초상화는 조각난 반짝이는 유리 영혼처럼 얼굴의 실체를 알아보기 힘들다. 하지만 그녀의 초상화들을 통해 머리 속에서 그려보면 사진보다 명료하게 영상이 떠오른다.
페르낭드와 에바, 올가가 갈색 머리카락을 가졌던 것과 달리 그녀는 금발이였다.
피카소의 두 번째 아이인 딸 마야를 낳는다.

도라 마르(1936년만남) <작품 속의 도라1 2 3 4 5>

그는 셍 제르멩 거리 카페에서 브르통, 엘류아르 등 초현실주의자들과 잡담을 하다가 사진작가인 도라라는 지적이고 신비한 아름다움을 가진 여자를 만난다. 다섯 번째 연인인 도라는 지적이고 교양을 갖춘 여성으로 현대 미술에 열중했으며 특히, 스페인어를 유창하게 구사했다.
도라를 모델로 한 '우는 여자'는 피카소의 걸작중의 하나로 평가되고 있다.
도라는 의문의 자살로 삶을 마감하게 된다

프랑스와즈 질로(1945년만남-1953년헤어짐) <작품 속의 질로1 2 3 4>

1943년 2차 세계대전 중 식당에서 21살의 프랑수와즈 질로를 만나 첫눈에 반한다. 그녀는 아주 젊고 눈부시게 아름다운 여류화가이다. 피카소가 예순세 살 때인 1945년부터 함께 살게 되는데 이 때, 그녀는 스무 살이였다. 완벽주의자이고 독점력이 강했던 프랑스와즈는 아들 클로드와 딸 팔로마를 낳는다.사진은1952년 지중해에서 바캉스를 즐기고 있는 피카소와 그녀의 모습이다.

자클린 로크(1954년만남-1961년결혼) <작품 속의 자클린1 2 3 4>

피카소의 마지막 연인이 된 그녀는 커다랗고 짙은 눈망울을 지닌 지중해 풍의 여인이다. 자클린은 1961년 피카소와 비밀 결혼식을 올린다. 후에 서른 살의 젊은 여인이 어떻게 곧 여든이 되는 사람과 결혼을 할 수 있냐는 말에 그녀는 " 나는 이 세상에서 가장 아름다운 청년과 결혼했어요. 오히려 늙은 사람은 나였지요" 그녀는 피카소에게 헌신적이고 절대적인 사랑을 바친다

피카소가 그린 어린이들

1922년 1924년 1925년 1938년 1948년 1950년 1951년 1952년

자화상

자화상(1990년) 자화상(1901년) 스무살 때의 자화상(1901년) 1906년

작품의 시대적분류

초기시대

피카소는 말도 하기 전에 이미 그림을 그렸던 신동이었다. 두 살때 그가 처음으로 한 말은 그림 그릴 도구를 달라고 "연필, 연필"하며 조르는 말이였다스페인에서 평범한 화가의 아들로 태어난 그는 십대 전반에 이미 사진처럼 정확하게 사생할 수 있었다. 1946년 아동 미술 전람회에 들른 피카소는 그 나이에 자신은 라파엘로같이 그릴 수 있었지만 "아이들 같이 그리는 법을 배우는데 수 년이 걸렸다"라고 회상했다.

The Picador ( 1889 )

The Picador ( 1889 )
피카소의 알려진 그림 중 가장 최초의 작품으로 피카소가 8세되던 해에 그려졌다.
많은 부분이손상됐음에도 피카소는 오래동안 이 그림을 간직하고 있었다.

비둘기(1890년)
피카소의 첫 스케치작품

화가의 어머니 최초의성찬(1895 )

청색시대(1901-1904년)

"내가 푸른색으로 그림을 그리기 시작한 것은 죽은 카사헤마스를 생각하면서부터입니다."

가시적 리얼리티에 대한 관찰보다 정신적 가치를 더 중요시한 시대.(정신적인 회화)

피카소가 보여준 최초의 독창작인 스타일은 가난하고 궁핍했던 시절을 통해 얻어진 것이었다. 청색시대란 명칭은 피카소가 차가운 인디고와 코발트 블루를 즐겨 사용했기 때문에 붙여진 것이다. 맹인 거지와 방랑자만을 그렸던 이 시기의 그림들은 연료가 없어서 자시의 그림을 태워 몸을 녹여야 했던 피카소를 사로잡고 있던 우울한 감정을 투영한 것이었다. 아무런 인정도 받지 못했던 피카소의 이 당시 그림에서 나타나는 사지가 비정상적으로 긴 창백한 인물들은 마치 굶주린 엘그레코의 인물들 같아 보인다.

죽은 카사헤마스(1901년)

인생
이 그림의 스케치에는 남자의 얼굴이 피카소 자신으로 되어 있었다. 그러나, 완성된 <인생>에는 피카소의 얼굴이 없어지고 친구인 카사헤마스의 얼굴로 변했다. 카사헤마스는 바르셀로나 시대의 동료 화가이며, 1900 년 가을 피카소와 함께 파리의 땅을 최초로 밟은 사이인데, 실연한 나머지 자살 미수 소동을 벌인 장본인이다. 이 사건 때문에 피카소는 카사헤마스를 데리고 급히 파리를 떠나야만 했고, 피카소는 이 쓰라린 경험을 잊을 수 없어 <인생>을 그린 것으로 추측된다. 배경 위의 그림은 고갱풍이고, 아래쪽 웅크린 여인은 고호풍으로 그려졌다. 그의 청색 시대의 중요한 모티브인 부성애와 청춘의 격렬한 사랑의 표시를 표출시켜 '인생 축도'의 한 다면을 보인 또 하나의 걸작이다.

늙은 기타수
피카소의 이 시기가 그레코에 심취하던 때였다. 굶주리고 버림받은 사람에게는 성자의 그늘이 있다. 왼쪽 어깨를 강조한 것은 비단 이 작품만이 아니라, 피카소의 '청색 시대' 인체는 메마를 대로 메마르고 손가락도 뼈만이 앙상하다. 이 손으로 기타를 칠 수 없을 것이다. 그러나 기타는 노인의 신체의 일부처럼 달라붙어 있다. 노인은 장님이다. 그를 둘러싼 세계와는 이미 창문을 잃었다. 그러면서도 이 밀폐된 상태의 사나이의 조형이 무엇인가 우리에게 말하여 주고 있다

비극 모자를위한습작(1904) 다림질하는여인(1904)

장미빛시대(1905-1906년)

사회적 비관주의에서 벗어나 서정적이고 개인적인 비애를 표현.

파리에서 완전히 정착한 피카소는 곧 첫 번째 애인 페르난드 올리비에를 만남으로써 그의 좌절감은 사라졌다. 이 시기부터 그는 세련된 장밋빛과 갈색톤으로 어릿광대와 곡예사같은 서커스 광대를 즐겨 그렸다. 시인 아폴리네르가 "모든 방향에서 바라본 곡예사는 공간 속의 조각 작품같다."라 하였고 피카소는 인간의 몸을 모든 각도에서 관찰하기 시작한다.장밋빛 시대, 혹은 서커스시대의 그림들은 감상적이고 로맨틱한 것이었다.

두 형제
'분홍색 시대'는 1905년에 시작되어 주조색은 오크로 루즈이다. 이 작품은 1906년에 제작되었으며 또다른 <두 형제>라는 작품과 쌍을 이루고 있다. 소년의 몸은 언뜻 보기에 해부학적인 정확성이 결여된 것같이도 보이나, 아직 성숙하지 않은 아이의 몸으로 사실성이 있고 따뜻한 색이 더욱 즐겁다. 피카소가 이 시기에 있어서는 처음 모델을 정확하게 묘사한 다음 점차적으로 자기화한 제작 방법을 쓰기 시작한 것이다. 이 작품에 있어서도 초상적이기 보다는 오히려 특징적인 소년을 표현하고 있다. 좋든 나쁘든 간에 피카소가 오늘날에 있어서 그 많은 사람들에게 친숙하게 된 그 뿌리는 '피카소화'라는 조형적 역량일 것이다.

이국풍의 오르가니스트
얼굴을 옆으로 하고 왼쪽 어깨가 강하게 불거져 있으며, 양다리를 가지런히 하고 있는 이 늙은 손풍금 타는 사람에게서 젊은 피카소가 매혹당했던 카다르니야의 로마네스크 미술을 연상시키고 있다. 이 목조각 같은 노인과 아직은 어리디 어린 소년과의 대조를 준 것은 보는 이의 가슴에 무엇인가 여운을 준다. 손풍금을 중심으로 하여 노인과 소년을 삼각형으로 배치한 구도는 화면을 시원하고 안정되게 하고 있다. 더욱 아름다운 것은 오랜 세월에 퇴색한 것 같은 색조이면서 밝고 소박하다는 것이다.

곡예사의 가족 화장 두누드 말을 몰고가는 소년 곡예사와 어린 어릿광대 곡예사가족(1905)
곡예사(1905) 레오스타인초상(1906) 여인흉상(1906)

입체주의전조(1907년)

눈에 보이는 것을 재현하는 대신 현실의 마술적 재창조를 향해 나아감.

고전적인 균형잡힌 양식을 포기하고 원시적이고 고풍스런 형태로부터 영감을 받게되고 인체의 조소적 특성이 한층 더 강조된다.
보다 넓고 종합적인 형태 개념을 위해 세부요소에 대한 꼼곰한 묘사는 생략하기 시작
1907년 피카소는 추상적인 아프리카 가면의 힘찬 표현을 발견했으며 그 모티브를 자신의 그림에 조합시켰다. 같은 해 그는 획기적인 작품 <<아비뇽의 아가씨들>>을 그렸는데 이 작품은 미술사의 흐름을 바꾸어 놓은 몇 안되는 걸작 중 하나다.
(니그로 시대 라고도 불리움)

거트루트 스타인의 초상
피카소가 이 유명한 초상화에 착수한 것은 1905년이었다. 그때 거트루드 스타인은 오랜시간 동안 포즈를 취해 주었다. 그런데 이듬해 봄이 되었을 때 피카소는 그 동안 그린 얼굴을 몽땅 지워버렸다. 그에게는 그다지 탐탁치 않게 여겨졌던 것이다.
그러다가 1906년 가을, 고솔에서 돌아온 피카소는 그동안 제쳐두었던 이 초상화에 다시 착수하여, 가면 같은 모습을 부여했다. 매끈한 이마는 튀어나온 듯하고 윤곽은 개성이 없고 도식적이며 이목구비가 정연하다.
이 초상화를 비판한 사람들에 대해 피카소는 "결국엔 그녀가 이 그림의 모습을 닮게 될 것이다.라 했고,이 초상화에 대해 거트루두 스타인은 "나의 여러 초상화 중에서 언제나 나의 모습으로 남아 있는 유일한 것입니다."

아비뇽의 아가씨

원시주의적 요소를 차용하여 인물의 형태를 왜곡

전통적인 원근법이 사라지고, 여러 각도에서 본 시각이 하나의 평면에 종합되고

기하학적 형태로 파악하고, 입체감을 암시하는 명암을 사용하여 대상을 그리는 방법을 발전시켜 큐비즘이라는 양식 창조

<아비뇽의 아가씨들>에 직접적으로 힌트를 준 것은 이벨리아 조각과 흑인 조각이라고 전하여지고 있다. 그러나, 이 작품의 경우는 <아비뇽의 아가씨들>의 오른 쪽 여인의 얼굴 습작이며 다분히 흑인 조각을 연상시키고 있다. 이 작품은 가면을 쓴 여인으로서 가면 뒤 쪽의 목 처리로 보아서 가면에 숨겨진 머리는 가면보다, 훨씬 작은 것을 알 수 있다. 피카소는 왜 <아비뇽 의 아가씨>의 오른쪽 두 여인의 코를 그렇게 과장해서 그렸으며, 또 삐뚤게 했을까. 피카소는 이렇게 말을 남기고 있다. '사람들이 내 그림의 삐뚤어진 코를 보고 그들의 코는 삐뚤어진 것이 아니라는 것을 확인시키기 위해서였다.'고 한다.

최초의 진정한 20세기 미술 작품이라 불리우는 <<아비뇽의 아가씨들>>은 거의 500여년을 내려오는 서구 미술의 르네상스적 전통을 마감한 문제작이다. 조토와 마사초 이후로 가장 급진적인 혁신을 보여준 이 작품은 미술에 대한 고정 관념들을 산산히 부수고 있다. 다섯명의 나부를 보면 눈이 한쪽으로 기울어져 있거나 귀가 변형되어 있거나 사지가 제자리에 있지 않아서 해부학적으로 엉망이다. 피카소는 또한 원근법도 파괴하여 차츰차츰 뒤로 후퇴하는 대신 공간을 들쑥날쑥한 면들로 분할하였다. 심지어 한 인물의 눈은 정면을 바라보는데 그 얼굴은 측면으로 그려져 있기도 하다. 피카소는 또한 몸통을 작은 면들로 분할하였는데 어떤 비평가는 이를 보고 "부서진 유리의 파편같다"고 평하였다.
이 여인들의 극도로 추한 모습은 그이 화실을 방문하여 이 그림을 본 사람들의 반감을 샀다. 마티스는 이 그림을 장난으로 그린 것으로 생각했고 브라크는 "불을 뿜으려고 등유를 마신 것 같다."고 말할 정도로 충격을 받았다. 피카소의 친구이자 후원자였던 현대 소설의 작가 제르트뤼드 스타인은 "모든 걸작들이 이 세상에 선보일 때는 이와 같이 추한 모습을 하고 있기 마련이다. 이 추한 모습은 화가가 무언가 새로운 것을 창조하고자 투쟁한 흔적이다."라고 이 그림을 옹호했다.
피카소는 "나는 보이는 것을 그리지 않고 알고 있는 것을 그린다."고 말했다. 세잔의 기하학적인 패턴에 영향을 받아 피카소는 사물의 진실된 외형을 다시 점으로 분해해서 앞, 뒤, 전방, 후방에서 동시에 분석하고 있다.

앉은 나부
앉은 나부로 되어 있지만 의자의 형태도 분명치 않아, 실제로는 여인이 서 있는 것으로 보인다. 볼륨 표현이 극도로 억제되어 있는 까닭에 남자로도 보여진다. 이 작품은 <아비뇽의 아가씨들> 전후에 제작된 일련의 나부상으로서 단순 명쾌한 화면이 특징이다. "회화는 나 보다 힘이 세다. 회화는 생각하는 대로 나를 질질 끌고 다닌다."라고 말했다. 피카소의 경우 회화란 별 수 없이 형태인데, 그 스스로가 만들어 낸 형태가 피카소를 끌고 다니는 것만 같다.

세여자 숲의요정(1908)

입체주의(1908-1915년)

그들은 자신들이 개발해낸 방법 자체를 즐기고 있는 것처럼 보인다. 그래서인지 그들에겐 소재가 그다지 중요한 것이 못되었다.

불안정하게 해체된 형태들과 문자같은 비회화적 요소들로 하나의 낯선 세계를 창조하고있다.

대상에서 출발하기는 하나, 최종적인 그림은 대상의 현실적 요소를 최소화시킨 순수한 형식적 구성이 되고 있습니다. 이것은 회화의 가치를 세계의 재현 혹은 세계와의 닮음에서 찾았던 전통적인 개념을 거부하는 행위라고 할 수 있습니다. 회화는 우리의 일상적 세계와는 무관하게 존재하는 자율적인 영역이므로 회화의 가치는 회화적 매체 자체에서 찾아져야 한다는 것
20세기 미술계의 주요한 입체주의 미술 운동은 1908-1914년까지 지속되었다. 이 용어는 마티스가 조르주 브라크의 입체주의적인 풍경화를 보고 "이것은 작은 입방체일 뿐이다. "라고 말한데서 연유했다. 그러나 파카소, 브라크, 그리스, 레제 등 4명의 입체주의 화가들은 사물을 수많은 조각들로 분할하긴 했지만, 그 모양이 이름처럼 진짜 입방체를 띄고 있는 것은 아니었다. 무엇보다 입체주의자들은 레제의 말처럼 "미술은 모방이 아니라 창조이다."라는 신념으로 기존의 미술을 자유롭게 하였다.

부채를 든 여자(1908) 언덕위의 집(1909) 호르타 데 에브로에 있는 장소 (1909)
오르타의 저수지 만돌린을 든 여자(1910) 기타를 치는남자 앙브루아즈볼라르의 초상화(1910)
기타(1912) 압생트글라스(1914) 여인의목(1909) 두상(1909) 술병.술잔.바이올린(1912)
안락의자에앉은여자(1913)

다양한 스타일

입체파 체험의 총결산시기
무대적 요소를 종합적 입체주의의 언어로 바꾸어 놓음으로써 진정한 회화로 변화시키는데 성공

제1차 세계대전 이후 피카소는 극도로 다양한 스타일을 실험했는데 어떤 날은 실물같이 정교하게 사생하다가도 다름 날이면 또 거칠게 왜곡되고 변형된 인물들을 그리기도 했다. 그는 "다름 사람의 그림을 모사하는 것은 필요한 일이다. 그러나 자신의 그림을 모사하는 것은 슬픈 일이다."라고 말했다. 이처럼 다방면에 관심사와 재능을 가지고 있었기 때문에 이 시기의 작품들을 '초기' , '중기" , '말기'로 다루기 무척 어렵다.
끊임없이 새로운 형태의 미술을 개발하는 데 지칠 줄 모르는 개척가였던 피타소의 정력은 "나는 무언가 발견하는 것을 좋아한다."는 그 자시의 말로 짐작할 수 있을 것이다. 그의 친구 제르트뤼드 스타인은 "수많은 화가들 중 피카소만이 보는 바대로만 사물을 표현하지 않고 자신이 본 진실을 그리기 위해 골몰한 유일한 화가이다. "라고 말했다.

<고전시대(1917-1924년)>

이탈리아 여행가 로마 조각과의 접촉에 의해 탄생된 시기.

1915년 피카소는 앵그르의 고전적 그림들과 비슷한 그림을 여러 점 그린다. 1917년 발레 '퍼레이드'의 무대장식과 의상을 위해 로마로 가 그리스와로마의 조각들을 통해 공허한 눈빛을 가진 거대하고 무거운 인물들을 그리기 시작한다. 그들의 형태는 부드럽고 둥글며 색들은 뜨겁다. 무용수들. 해수욕객들. 신화 속의 인물들이 등장하는 고대예술과 고전적 예술로부터의 영감의 시대이다.

안락의자의 올가의 초상
올가는 러시아 육군 대령의 딸로서 1912년에 디아기레프 발레단에 있었다. 피카소는 1917년 이탈리아 여행 중 올가를 만나서 이듬해인 1918년 7월에 결혼하였는 데 시인 쟝 콕도, 아폴리네르등을 초청하였다. 피카소가 올가를 맞이한 후부터 그 생활은 규칙적이 되었고, 의복도 단정하게 변하여 그의 벗들을 놀라게 했다. 피카소는 이러한 생활을 하는 동안 어머니와 자식간의 애정 어린 작품들을 많이 그렸다. 이 작품에서도 다분히 앵그르풍의 리얼리즘이 보인다. 이 밖에도 올가를 그린 작품들이 있으나 그표정들은 한결같이 우수에 잠겨있다.

앉은 여인
1920년이래 이따금 피카소는 남 프랑스의 앙티브 지방들을 들르고 있었다. "나는 예언자라고 자처할 생각은 없다. 그러나, 사실 내가 여기에 와서 놀란 것은 여기에 있는 모든 것이 일찍이 내가 파리에서 그리던 그 모든 것과 너무나 흡사하다는 것이다. 이곳의 풍경은 일찍이 내것이었다고 말해야겠다."라고 피카소는 말 했다. 피카소의 독특한 조각적인 형태를 말하여 지중해적인 인간의 특색이라고도 한다. 피카소가 그린 여인은 지중해의 여신이며, 푸른 배경, 거침없이 당당한 여성상, 피카소에 있어서는 그림이란 우상에 가깝다.

해변을 달리는 두여자
장콕토와 다리우스밀로의 발레극(푸른기차)의 무대 장막으로 사용되었다.

어릿광대두상(1921) 잠자는농민(1919) 비취를들고 있는여인(1919) 세사람의악사들(1921)

<야만시대(1925-1929년)>

괴물시대. 인간의 아름다움에 대한 전통적 관습으로부터 결별하고 인간의 부정적 이미지 창조

공격성이 폭발하고 좋아하던 형상인 여자가 미술 역사상 최악의 형태왜곡을 겪게된다. 환각 세계로 들어가게 된다.

의자에앉아있는여인(1929) 화실(1928)

<부아젤루시대(1930-1935년)>

기호언어실험기. 사물들을 일종의 상형문자화. 마술적 기호의 간결한 체계로 번안하려는 시도

부아젤루성을 사서 화실을 마련한다. 1927년 만난 마리테레즈발테르는 새로운 모델이되고 조각을 다시 시작하고 다양한 기법들을 실험한다.(조각에 전념) 환조. 칼로 깎은 목조, 석고에 부어 만든 것들, 쇠로 된 아상블라주등이 시작된다.

꿈(1932)
이전 시기에 괴물과 같은 인물들을 만들어내게 했던 불안한 분위기와 대조되는 새로운 평정을 발견했다. 이 작품의 매력은 신선하고 순진한 관능성이 배어 있음으로 해서 한층 의의가 있다.
마리테레즈의 풍부한 관능적 매력, 갓 피어오르는 젊은 여인의 선정적인 매력이 너무나 솔직하게 표현된 작품이다.

조각가와 모델(1933년.에칭) 포옹 또는 폭력(1933년) 두상(1932) 구성(1930)
멱감는여자(1930) 주전자와과일쟁반(1931) 투우(1934) 그림그리는젊은여자(1935)

<전쟁시대(1935-1945년)>

도라마르의 초상화를 많이 그린다. 그중 울고 있는 여자에서 도라마르는 전쟁이 낳은 인간의 고통과 공포를 상징한다.

게르니카 (1937) 게르니카습작1. 2. 3
검정.흰색,회색으로만 그려진 거대한 프레스코화(334cm*777cm)
시작하기 앞서 45번이나 초안을 그린다. 나치의 공습으로 무고한 시민들이 학살된 것을 저항하는 절규이다.

손수건을 쥐고 우는 여인
'우는 여인'은 <게르니카>의 습작에서 시작된다. 피카소를 매료시킨 주제로서 <게르니카>완성 후에도 피카소는 여러 점 제작했다. 피카소는 여인들에게 많은 변화를 주어 작품을 만들었다. '잠자는 여인' '춤추는 여인' '독서하는 여인' '거울을 보는 여인' '포옹하는 여인' '울부짖는 여인' 등 그 변화는 더 많다. 배경의 검은 색 속에서 선명하게 얼굴과 손이 부상하고 있다. 눈물을 그린 것도 사실적인 것을 피하고 추상적이며, 기호적 눈물은 흐르는 것이 아니라 튀어나오는 것을 매우 알기 쉽게 표현하고 있다. 아동화같이 소박하고 그리고 상징적으로 표현하고 있다.

새벽의연주(1942년) 황소머리(1943년) 양을안고 있는사나이(1943년)
오렌지를들고 있는여인(1943) 온종일빨고 있는남자(1938) 수닭을가진소녀(1938) 정물(1945)

<발로리스시대(1947-1954년)>

도자기 제조를 배우고 물건들을 주워 아상블라주를 만들어낸다.

한국전(1951) 황소머리문양접시 유모차를끌고 있는여인(1950) 나뭇잎으로장식한여자
평화의얼굴(1950) 도자기작품(1953) 하얀올빼미((1952) 염소(1950) 비비와젊은이(1951)
여인두상(1951) J.R양의초상(1954) 서커스꽃병(1954) 정물(1959)

대가들과의 대결(1955-1962년)

피카소는 이제 말년에 고전 회화를 재정리하면서 자기 스타일로 대가들의 작품을 하나씩하나씩 재해석해 나간다. 이전의 대가들을 모방하려는 무의식은 19세기나 20세기에 모든 예술가들의 머리 속에 한순간도 떠나지 않았다. 마네나 세잔 같은 화가들 스트라빈스키 같은 음악가들 그리고 장 콕도 같은 시인들도 다 그랬다. 옛 거장들의 작품을 풍자하고 모방하는 궁극적 목표는 어느 장르건 마찬가지 고전적 규율 그것을 더 잘 이해하기 위해 모방하는 것이고 그 결과 그것에서 자유로워지고 싶었던 것이다

궁녀들 벨라스커스
벨라스케즈의 <궁녀들>은 프라도 미술관의 보물이며, '회화의 신학'으로까지 평가된다. 1952년 계획하여, 실제로 착수한 것은 1957년이었다. 이 해에 피카소는 연작 44점을 제작하였다. 피카소는 "같은 주제에 의한 연작으로 최초의 두 점 중의 한 점, 최후의 두 점 중의 한점을 최고의 작품으로 본다."고 말했다.
이 작품은 1957년 8월 17일에 완성한 첫 번째 작품으로 검정, 흰색, 회색만으로 처리하였으며, 벨라스케즈의 원작과는 화면의 규격이나 내용에 있어 약간의 변화를 주고 있다.

다림질여인(1904) 드가

말을몰고가는소년(1905). 곡예사가족(1905) 엘그레코

말기의 작품들(1962-1973년)

'화가와 그의 모델들'이란 주제로 그림 50점을 그린다.

그의 작품과 관객(1968년 에칭) 모델 위에 그리는 화가
모자를쓴여인(1963) 화가(1963) 피카돌(1970)