표현파 클레

표현파미술(클레)

클레 Paul Klee(1879~1940)

"이 세상 그누구도 나를 잘 이해하지 못할 것이다. 왜냐하면 나는 죽은 사람들과 같이 있을 뿐 아니라 아직 태어나지 않은 사람들과도 같이 있기 때문이다. 평범하지 않은 창조의 중심에 조금은 다가갔지만 그래도 아주 가까이 갔다고는 결코 말할 수 없다.

"인간은 그 자체가 자연, 자연의 영향력 아래있는 자연의 한 부분이다."

"예술가의 그림이 특별하게 사용될 곳은 아무데도 없습니다. 그림의 유일한 목적이 있다면, 그것은 우리를 행복하게 해주는 것이지요."

"회화는 하나의 꿈이라고 생각할 수도 있다."

독일 국적을 가진 바이올린교사인 아버지와 성악가인 어머니 사이에서 태어난다.12살때 베른 심포니 오케스트라와 협연을 할 정도로 탁월한 바이올린 연주자였던 클레는 칸딘스키와 마찬가지로 회화와 음악 간의 다양한 유사성에 주목, 그의 이론에서 응용하고 있다.
문학공부를 한 후 대학 입학 시험에 합격했을 때 미술과 시, 음악 가운데 어떤 분야를 택해야 할지 망설였다. 그러나 클레는 미술학교인 아카데미 보자르에 입학하기 위해 뮌헨으로 떠난다. 21세 때 회화를 선택한 후에도 W.R.바그너와 R.슈트라우스, W.A.모차르트의 곡들에 심취, 그들로부터 많은 영향을 받았다. 그러나 초기 제작은 모두 어두운 환상적인 판화가 많으며 W.블레이크, A.V.버즐리, L.F.고야 등의 영향이 짙다. 1920년부터 1931년까지 11년간 바우하우스에서 재직한 클레의 기여는 칸딘스키와 마찬가지로 기초교육과정을 통해서였다.
1933년 베른으로 돌아온 클레는 기억의 추상화, 굵은 선의 구획을 통한 빛나는 색면구성으로, 당시 시대회화의 수용과 극복을 통해 현대미술을 전개했다. 대부분의 화가들과는 달리, 어린이의 그림처럼 그린다는 행위의 원초성을 고스란히 지닌 채 추상미술의 한 전형으로 밀고 나간 보기 드문 화가로 자리잡았으며, 40년 취리히미술관에서 1935년 이후의 작품으로 개인전을 가졌다.
<예술은 눈에 보이지 않는 것을 보듯 하는 것> <중요한 것은 이러저러한 형태가 아니라 형태를 만드는 것>이라고 말한 그는 눈에 보이는 대상에 의존하지 않았으며 또한 이것을 완전히 버린 적도 없었다. 오히려 대상을 자연 형성력의 근원으로 여겨 독자적인 조형언어로 바꿔 놓았다. 즉 일종의 기호나 부첩(符牒)처럼 실재와 현상을 하나로 집약하여, 보는 사람의 상상력 속에서 한없는 변용의 날개를 펼쳐 나갔다. 천부의 음악적 재능으로 음악을 평생의 친구로 삼은 그의 작품에는 4차원의 세계로 떠다니는 맑은 음색과 외로움이 깃들어 있으나, 말년의 그림은 어둡고 격렬한 고뇌를 반영하고 있다. 저술에는 바우하우스에서 강의한 내용을 모은 《조형사고(造形思考) Das bildnerische Denken》(1956) 《일기》(1957)가 있다. 작품수장집은 스위스의 베른미술관 내 클레재단에 약 3,000점이 소장되어 있고, 대표작은 《새의 섬》《항구》《정원 속의 인물》《죽음과 불》 등이다.

田園時: 리듬(1927년)
그라피티(graffiti) 계열의 작품인데 그라피티란 벽이나 바위 위에 긁어서 그린 그림이나 문자 또는 낙서로 이해된다. 선묘를 주축으로 노란 바탕에 파란 선을 음각한 여러 기호의 반복이 리드미컬하게 여러 층의 수 평으로 배치되어 있다. 이 그림을 그리기 2년 전에 클레는 '교육적 스케치북'이란 책에서 '선은 윤곽이 아 니라 포름을 형성해 가는 힘'이라고 규정했는데, 대자연의 질서 속에 움직이는 전원의 리듬을 추상적인 패턴으로 창출, 반복과 고저, 그리고 화음이 어울린 전원의 교향악을 눈 운동으로 포착한 듯하다. 클레는 그림이란 감상자의 눈의 근육을 움직이게 하고 그 운동에 의하여 지각되는 것이라고 생각했다.

세네시오
클레의 그림은 시적인 리듬과 음악적인 리듬을 동시에 느끼게 한다.
클레의 그림은 <세네시오>처럼 대개 크기가 작고, 신비로운 내면 세계를 암시하는 상징으로 가득 차 있다. <세네시오>는 클레의 작품 가운데 가장 많이 알려진 작품이다. 1922년에 그려진 이 작품은 클레의 생애 중에서 행복했던 시절을 반영하고 있다. 국화꽃의 일종인 세네시오의 아름다움에서 사랑스런 소녀의 이미지를 떠올리게 한다.

R 별장
클레의 풍경화 가운데서 걸작으로 꼽히는 40세 때 작 품이다. 화면 중앙의 구축적인 건물, 빨간 길이 강물처럼 그려져 있고 노란 해와 푸른 달이 중천에 떠 있다. 이 그림에서 관심을 모으는 것은 푸른색으로 된 R 자인데, 이 R자는 그저 글자로써 넣은 것이 아니라 태양과 건물 등 화면에 등장된 모든 제재와 동질의 요소로, 또한 하나의 기호로서 화면 구성에 참가하고 있다는 점이다. 클레는 30대에 접어들면서 본격적으로 유채화를 그리기 시작했는데, 그의 선은 더욱 단순화 된 문자 기호로 변해 갔다. 이 작품은 실제로 존재하는 풍경이 아니라 클레의 환상 속에 있는 풍 경이다.

인형극(1923)
이 그림은 클레가 바이마르의 자기 집에서 아들 펠릭스를 위해 만든 인형극의 무대를 모티브로 삼은 작품이다. 오른쪽의 탑, 왼쪽의 태양, 도로와 연못과 같은 이미지는 인형극의 배경이라고 보여지는데, 그것들이 어린이를 위한 것이라기보다는 클레의 기성 이미지란 점에 주목해야 한다. 그의 기성 관념 속에는 어린이들이 좋아하는 '상념의 나래'가 서식하고 있어, '기성 관념'과 '어린이의 꿈'이 거의 동질의 것이라는 데 클레의 천재성을 유추할 수 있다. 클레는 어린이와 정신병 환자에게 깊은 관심을 표명했는데, 치졸하고 소박한 것에 대한 흥미보다 순수성에 대한 욕구에서 비롯된 것이며, 그의 '기성 관념' 역시 순수성에 뿌리를 박고 있는 것으로 보아야 할 것이다.

뛰는 사람
<정복자>와 마찬가지로 자와 콤파스로 그린 느낌을 준다. 다리를 벌리고 있는 포즈는 그의 작품에 자주 등장하는데 '인간을 있는 그대로 그리려고 하면, 선이 얽히고 혼란해져서 순수한 요소적 표현을 소홀히 다루게 되어, 그 결과 뭐가 뭔지 알 수 없는 분명하지 못 한 것이 될 것이다.' 클레의 말처럼 그가 인간을 단순 한 기호처럼 그린 밑바닥에는 인간을 가능한 한 순화하여 표현하려는 집요한 의식이 깔려 있고, 영상화시킨 인간에서 그가 생각하고 있는 참 인간상을 발견할 수 있을 것이라고 믿었기 때문이다. 아무튼 클레가 시도한 갖가지 선묘에서 '순화'라는 대 테마에의 어프로치가 얼마나 다양하고 끈질겼는가를 이해해야 한다.

파르나스에서(1932) 사진
삼각형의 피라밋, 둥근 태양, 수평으로 이동하는 구름, 원통의 문, 모자이크로 된 벽면 등 일체화된 환상적인 화면이 점묘(點描)로 이루어지고 있다. 클레는 50세를 전후해서 점묘에 의한 작품을 많이 제작했는데 후기 인상파에 대해 별로 관심을 보이지 않은 그가 이런 그림을 그린 것은, 후기 인상파처럼 외광을 회화라는 인공의 세계에 이식하기 위한 수단이 아니라, 회화를 색채의 다층 구조로써 만들어 내는 구축 의지(構築意志)의 발현이라고 보아야 할 것이다. 이 그림에는 색채의 아라베스크한 감동과 자로 그은 것 같은 날카로운 선이 반영되어 있음을 주목해야 한다.

앞으로 올 인간
우주인 같기도 하고, 조인(鳥人)이라고 해도 무방한 미래의 인간이 앞으로 행진하고 있다. 팔과 다리를 빼고는 건빵 모양이 겹겹이 쌓인 평면에 인간의 형체를 오려 붙인 것 같은 화면인데, 마티에르의 효과가 아주 야릇한 게 특색이다. 클레는 이미지 형성에서 변신을 본질적인 요소로 채용했었는데, 이 그림에서 변신 외에 이미지와 재질을 긴밀하게 결합시킨 수법을 써서 통일된 새로운 형상을 만들어 냈다. 1920년에 그린 < 공기의 정의 사자>와 비교하면 여러 면에서 공통점이 있고, 1927년의 <우의적인 인간>과는 더욱 근사한 화 면이다. 1만 점에 가까운 작품을 생산했으면서도 지루한 반복이 없는 클레의 경이를 실감케 하는 좋은 본보기이다

학자(1933)
마포를 석고로 바르고 괏슈로 그린 인물화인데 어딘지 기분이 좋지 않은 표정이다. 1933년은 나치스에 의해 무겁고 답답한 압력이 클레를 짓눌렀다. 클레가 정력을 쏟았던 바우하우스는 전년에 폐쇄되고 더더욱 유태 인이라는 낙인이 찍혀 필설로 다 할 수 없는 핍박을 받았다. 꽉 다문 입, 둥근 눈, 머리를 싸맨 듯한 가는 눈썹이 코믹하다기보다 무엇인가를 골똘히 생각하고, 골치가 아픈 것 같은 표정이다. 클레는 이 시점 스스로의 심정을 다음과 같이 표현했다. '가령 내가 그리스에서 온 유태인이라고 하더라도 나의 인격이나 일의 가치와는 아무 관계가 없을 것이다. 그러므로 유태인이나 외국인이 본토박이 보다 열등할리가 없다는 의견을 잊어서는 안 된다. 만일 이 의견을 잊으면 나 자신을 영원히 어리석은 자로 만들게 될 것이다.'

가엾은 천사
클레가 천사를 주제로 그린 작품은 총 50점에 가까운 데 60% 이상이 죽음을 앞둔 2년 동안에 그려졌다. 천사는 르네상스 이전부터 많은 화가들에 의해 헤아릴 수 없이 그려졌다. 이들은 신과 인간과의 중개로서의 천사상을 그렸었다. 그러나, 클레는 그 전통에 의거하면서도 신과 인간의 중개자라는 성격은 거의 없고, 인간과 인간이 아닌 어떤 것과의 사이에서 태어난 혼혈아 같은 모습의 천사로 대중을 이루었다. 어떤 경우에는 매우 그로테스크하고 어떤 경우에는 매우 코믹하다. 이 그림에서는 그로테스크와 유머가 함께 서식하고 날개를 펴고 비상하려 하나, 머리가 무거워 뜻대로 되지 않는 느낌이다. 클레의 시니컬한 일면을 보여준 작품이다.

아름다운 정원사
만년에 이르러 클레의 그림에'가엾다'든가 '아름답다'라는 감상적인 어휘가 등장하는데, 이 작품은 그 중의 하나이다. 이 그림에도 <가엾은 천사>에서처럼 눈 알 부분이 뻥 뚫린 구멍처럼 그려져 괴기한 느낌을 주는데, 이런 유의 작품은 이 외에도 몇 점이 있다. <아름다운 정원사>라는 제목과는 달리 죽음의 그림자 같은 음울한 분위기가 감돌며, 망양(茫洋)의 배경과 오른편에 나뭇잎 비슷한 포름 이외에는 정원 같은 이미 지가 전혀 보이지 않는다. 이해할 수 없는 분위기를 감돌게 하는 작품이다. 시시각각으로 다가 오는 죽음 앞에 이른 클레가 '인생을 벌초하는 정원사'를 상상하면서 그린 듯하다.

푸른 과일
엷은 다갈색의 공간에 강직하면서도 단순한 검은 선이 포름을 이루고 있다. 중앙의 푸른 과일, 그 밑의 약간 짙은 청색의 잎사귀 등은 대범한 색채 효과 때문에 두드러져 보인다. 터치나, 색채가 어떤 격렬한 것을 느끼게 하며, <푸른 과일>이란 서정적인 타이틀과는 거리가 먼 성난 과일로 보인다. 클레는 많은 작품에서 선에 대해서 생각해 낼 수 있는 모든 선의 모양을 시도한 것을 볼 수 있는데, 이는 클레의 회화 탐구와 병 행하여 그때그때의 심정과 결부되어 탄생한 감정의 선으로 보아도 좋을 것 같다. 납덩이가 짓누르는 것 같은 답답하고 불안했던 50대 말기의 심정을 이 그림에서 엿볼 수 있다.

묘지
반듯하게 꽂힌 7개의 검은 십자가, 누워 있는 1개의 십자가, 2그루의 검은 나무가 묘지를 상징하고, 검은 태양과 원경의 화살표 모양의 검은 나무는 천국을 가리키는 듯하다. 클레가 죽기 1년 전에 그린 작품인데, <묘지>라고 제목을 붙인 것으로 보아 아무래도 죽음을 예감하면서 제작한 듯하다. 클레는 4년 전 부터 피부 경화증을 앓고 있었으며, 담배와 술이 금지되었고 바이올린도 켤 수 없게 되었었다. 전년에는 그의 아틀리에를 피카소가 방문하여 여러 가지로 위로와 격려를 해주었다. 이 4년 동안에 오히려 그의 대표작이 많이 나온 것은 회화에 대한 집념이 얼마나 집요하고 밀도 있었는가를 웅변으로 말해 주는 것이기도 하다. 이 그림에서의 기호들은 상형이 아닌 있는 그대로의 기호임을 간과해서는 안 된다.

죽음의 천사
왼편 위쪽에 그려진 해골 같은 포름, 주검을 상징하는 듯한 오각형의 검은 구멍, 환영처럼 보이는 색채와 희미한 선이 화면 전체에 죽음을 암시하는 듯한 분위기를 자아내고 있다. 해골처럼 그려진 포름이 죽음의 천사일까. 나무 모양이 노란색 포름이 허무의 심연으로 통하는 입구에 서서 수문장 역할을 하고 있기 때문에 죽음의 천사일까. 아무튼 죽음과 주검에 대한 어떤 이미지가 응집되어 있는 작품이다. 경쾌한 맛이란 어디서도 찾아볼 수 없고, 단지 무겁고 두터우며 흐릿한 뉘앙스만이 감돈다. 장송 곡이 구슬프게 울려 퍼지고 있는 듯한 느낌을 갖는다면 잘못일까.

크리스토퍼콜롬버스물고기(1921)
세상에는 더 이상 나눌 수 없는 개별 단위인 상위 요소들(a부분)이 있고, 더 나눌 수 있는 개별 단위인 하위요소들(b부분)이 있다.-바우하우수 강의 노트에서

태고의 음향에 대해서(1925)
클레에게 색은 여러 음조를 표현하는 도구이었다. 이것은 특별한 음악도, 모차르트도, 바하도 아니고 클레의 음악에 대하나 생각일 뿐이다.

항구와 범선(1937)
배.돛대.노같은 것들을 표현하기 위한 특유의 선들은 해독이 어려운 항해에 대한 상형문자같은 것이다.

이상한 식물(1929) 사진
식물은 빠르게 성장하지만 인생은 조금씩 자란다.이 작품 안에는 오렌지 빛깔의 어떤 불씨가 들어있다.
"만약 사람이 식물을 잘라 구조를 잘 살펴본다면, 사람들은 그 식물의 성장을 알 수 있게 된다. 과거와 현재, 지금도 자라나고 있고 계속 성장할 미래를 알 수 있다.

노란새가 있는 풍경
동화적인 환상과 정교한 표현기법이 절묘하게 어우러진 참으로 특이한 수채화이다. 식물들은 특히 인도-이란 미술을 연상시키고, 새가 있는 화면 하단의 보라색 및 청색식물은 마티스 후기 작품의 장식적인 식물과 거의 비슷한 인상을 준다.

금빛 물고기(1925)
'필요불가결한 조건인 자연과의 대화'가 분명하다. 고도의 예술적 경지로부터 나온다. 우리가 보는 금빛물고기는 꿈의 그림이다.

검은 왕자(1927)
검은 그림 중 하나. 무서운 힘을 발산하는 작품이다.

선택된 장소(1927)
색채가 자기에게 새로운 시대를 열어준 이래 늘 염두에서 떠나지 않았다고 했던 바로 그 달일까!1914년 이래 클레는 도식과 회화가 일치되고, 방법과 제작이 결합하여 하나의 전체가 된 듯한 도시 그림을 여러장 그렸다.

큰길과 샛길들(1929)
클레의 이집트 여행에서 나온 가장 중요한 작품이다. 나일강 양쪽에 있는 이집트의 경작지 모양, 피라밋형태, 특히 강의 급류가 이루어놓은 소용돌이치는 수직선을 떠올리면 이해가 쉽다.
예술까가 확립한 방법론에 의해 20세기의 창조적인 언어로 부활한 이집트의 모습보다 더 시적인 것이 도 어니 있으랴!

눈 내리기 전(1929)
클레는 기상의 변화까지 다루려했다. 이 그림은 분명히 늦가을을 연상할 것이다. 나무 위로 눈을 몰고오는 구름, 나무 아래에 적갈색과 회색으로 변한 대지 등이 그런 느낌을 갖게 한다.

녹색 위의 착오(1930)
모든 것은 화면 안에서 어떤 법칙을 따르고 있다. 그가 늘 생각하는 균형잡힌 우주는 결국 창조와 흡사한 것으로, 창조의 메타포인 것이다.

열린 책(1930)
책을 연상시킨다기보다는 오히려 이집트의 석굴 무덤을 연상시킨다. 왼쪽 아래에 있는 수학적 기호와 붉은 방울은 어떻게 해석할 것인가?눈물일까, 심장일까?바로 이 기호가 이 그림을 해석하는 데 필요한 열쇠일지도 모른다.

황폐한 땅(1934)
삼베조각에 그린 상당히 질서정연한 수채화이다. 메시지가 얼마나 교묘하게 기호화되어 있는지 아무도 이것을 해독할 수 없을 듯하다.

인술라 둘카마라(1938)
1937년부터는 자신의 기호언어를 나타내기 위해 두께가 각기 다른 아주 굵은 선들을 활용하기 시작했다. 검은 윤곽은 해안선이고 머리는 우상이며 그 밖의 곡선은 비극적인 갈등을 나타낸다. 수평선에는 기선이 한 척 지나가고 있다. 이 기선이 신화와 아무 관계도 없다는 것은 한쪽은 떠오르는 달, 또 한쪽은 가라앉는 달을 나타내는 두 개의 천체 부호가 서로 모순되어 있는 것과 마찬가지이다.클레는 부지불식간에 젊은 시절에 궁극적인 목표로 삼았던 다차원 상태에 들어간 것이다.

우상의 공원(1939)
클레가 보여준 창조적인 생애의 마지막 장은 마귀들과 천사들로 수놓여 있다. 클레의 생애와 예술의 종막을 고하는 시기는 이미 위압적인 굵은 선 및 행복에 도취된 듯한 파스텔 색채와 더불어 1937년에 시작된다. 그러나 그의 작품 속에 근본적인 공포의 시계가 출현한 것은 1939년이다. 클레가 자신을 위해 작곡한 진혼곡에 가까워짐을 느낀다. 시간과 영원 사이의 긴장, 질문하는 자의 실존에 관한 문제가 우리의 눈길을 끈다.

포옹(1939)
곡선으로 표현된 이 피조물은 생물이라기보다는 상징에 가깝다. 오른쪽에는 승낙의 뜻을 나타내는 기호, 아니면 감탄부호 비슷한 표시가 있다. 왼족 꼭대기에는 검은 천체, 그 밑에는 좀더 작은 천체가 있다. 검은 선이 마른 붓으로 그어져 있어서, 여느 선과의 차이점을 드러내는 동시에, 그 자체의 운동감을 느낄 수 있다.
그럼 안기는 것은 누구일까?

바위 식물(1940)
상형문자 같은 간략한 부호로 풀, 꽃, 열매를 다룬 이 작품의 테마는 성장이다.

유리 파사드(1940)
음악으로 보면 푸가 형식처럼 주제가 반복되고 역전되고 새로운 국면으로 발전하는 것이다. 거침없이 종교적인 차원에 이르면서도 여전히 완벽하게 회화적이다.

사로잡힌 자(1940)
서명이 없지만 웬지 클레의 완성된 작품인 것 같다. 생과 사는 그에게 상대적 개념이다. 죽음은 종말인 동시에 시작이다. 사로잡힌 자는 늙지 않고 젊다. 왼쪽에 있는 나무의 상형문자는 모순적인 내용으로 갈라져서 완전하게 공존하는 삶과 죽음인 십자가의 상형문자일 수 있다.

상처(1940) 휴식을 가지면서(1938)