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 표현파미술(뭉크)

                            뭉크/   클레  /분리파/  다리파/  청기사파

에드바르 뭉크Edvard Munch (1863.12.12~1944.1.23)

“남자들이 책을 읽고, 여자들이 뜨개질하고 있는 따위의 실내화는 더 이상 그릴 필요가 없다. 내가 그리는 것은 숨을 쉬고, 느끼고, 괴로워하고, 사랑하며, 살아있는 인간이어야 한다. 보는 사람은 이 주제에서 신성함과 숭고함을 이해하게 될 것이며, 교회에서 하는 것처럼 모자를 벗을 것이다.”

뭉크는 노르웨이가 낳은 가장 위대한 화가로서 사랑, 고통, 죽음, 불안 등을 주제로 하여 내면 세계를 시각화 하였으며, '영혼의 고백'이라고도 할 수 있는 독창성 있는 작품세계를 통하여 미술사의 흐름에 한 전환점을 제기 하였다. 노르웨이 태생의 작가였지만 뭉크는 후진적인 19세기말의 북유럽을 탈피하고자 했다. 그 결과 독일 미술의 영향을 크게 받았으며, 그 또한 독일의 미술, 특히 표현파에 깊은 영향을 끼치는 등 독일에서 화가로서의 꽃을 활짝 피웠다. 16세기이래 4세기간 불모의 공백으로 지속되었던 독일 회화계를 다시 태어나게 한 것은 뭉크의 힘이라고 한다. 그래서 현대 "회화의 아버지 세잔"을 본따서 "북구의 세잔"이라고 하기도 한다. 뭉크는 1863년 노르웨이의 전형적인 상류층 가정에서 빈민가의 의사의 아들로 태어났다.  아버지는 이상성격 소유자이고 다섯 남매 가운데 둘째로서 그가 다섯살 되던 해 어머니가 폐결핵으로 세상을 떠나게 되자 집안은 불행을 맞게 된다. 어머니 대신 가정을 맡아 돌봐 주던 한 살 위인 누나 소피에도 뭉크 나이 14세 때 결핵으로 죽는다. 그역시 몸이 무척 약했으며 여동생까지 정신병원에 입원하게 되었다. 다섯형제 중 유일하게 앙드레아만이 결혼했으나 몇 개월만에 죽고 만다
그 역시 생애를 두고 건강하지 못했다. 늘 자기의 주위에는 끊임없는 악의에 찬 위험이 육박하고 있다는 강박관념에 사로잡혀 공포감에서 헤어나지 못하는 생활을 하였다.그것 때문에 그는 누차 정신분열 증세까지 일으켰다. 이러한 환경과 병약한 육체가 그의 정신과 작품에 크게 영향을 끼쳤다. 삶이 절망스러울 때 누구나가 한 번쯤은 죽음을 생각한다. 그의 아버지는 병약하고 민감했던 뭉크에게 의사가 되라는 말을수없이 했다.하지만 시대의 불안과 공포, 그 안에서 또다른 희망을 추구했던 뭉크는 아버지의 꿈을 저버리고 미술학교에 입학한다.   뭉크는 이 절망과 불안의 삶을 산 화가였다. 하지만 그런 현실 속에서 뭉크는 죽음 대신 그림을 선택했다. 그리고 그 그림을 통해서 인생의 어두운 면을 그려낸 화가였다
병든아이(1885~1886)
이 그림을 그릴 당시 뭉크는 23세였다. 죽음이 임박한 자신의 누이 소피에와 그의 이모의 모습을 떠올려보라. 독일전시회 당시 신문에선 이 그림에 대고 '가재소스를 뿌린 생선죽 같은 그림'이라고 혹평했다.

숨을 쉬고 느끼고 괴로워하며 살아 있는 인간을 그리기 위해 전 생애를 바친 뭉크는 동일한 내용을 반복하 여 표현한 것이 많은데, 이 모티브도 가장 많이 선택 한 내용 중의 하나이다. 처음 작품의 모티브를 후에 다른 기법으로 변화시켜 표현하든가, 유화와 똑같은 내용으로 판화를 제작하고는 하였다. 그에게서는 그림 의 다양한 양식에서 생기는 어떤 내용보다 중요시 처 리되었던 것은 회화의 주제였다. 이 두 점의 석판화들 은 같은 판에 잉크색을 바꾸어 찍어낸 것으로 색채의 상반된 표현 효과도 있겠으나, 그보다 특정한 모티브 를 고집하고 거기에 종속되어진 속에 색을 바꾸어 찍 어낸 판화로 보는 것이 의의가 있겠다. 병상에 누운 누나 소피에의 모습에서 찾아낸 강렬한 인상을 작품화 한 것으로 보여진다. 섬세한 선묘에 의한 얼굴 표정이 특색있다.

봄(1889)
뭉크가 그린 것 중 최초로 자의식이 드러나는 그림이다. 그의 청년기 작품들에서처럼 뭉크가 직접 체험을 해서 너무나 잘 알고 있던 상황이다. 연약한 환자의 괴로워하는 모습을 실내의 어둠이 에워싸고 있다.

병실의 죽음(1892), 석판, 1896
아버지 크리스티안과 어머니 레우라의 금슬은 매우 좋은 편이었다. 크리스티아니아 시절 뭉크의 형들 안드레아스(1865~1895), 로이라(1867~1926), 잉게르(1868~1952)가 태어났다. 죽음이 임박한 어머니는 제일 위의 두 아이 소피에와 에드바르트에게 작별을 고하였다. 이것은 소년 에드바르트에게 평생 잊을 수 없는 상황이었다. 뭉크의 모친은 8년간의 결혼생활 끝에 결핵으로 죽었을 당시 30세였다. 그녀는 일곱 살의 소피에, 여섯 살의 에드바르드, 세살의 안드레아스, 두 살의 로이라, 11개월 된 잉게르 등 어린 아이 다섯을 두고 갔다. 뭉크의 모친은 자신이 잉게르를 출산하기 전에 자신이 죽을 것을 예상하고 아이들에게 작별의 편지를 써놓았다고 한다. 뭉크가 여섯 살의 나이로 경험한 어머니의 죽음은 최초의 크나큰 상처였다.

사춘기(1893)
뭉크는 소녀의 모습을 통하여 성(性)에 눈 뜬 청춘기의 첫 반응의 특징인 성적인 자 기 암시와 또 한편으로는 움츠러드는 애틋하면서도 청순한 사춘기 소녀를 표현하려 했다. 이 모티브는 뭉크가 여러 가지 방법에 의한 작품에서 선택하여 등장시키고 있다. 유화로 처음 제작한 것은 1886년인데, 1890년 공교롭게도 불에 타 없어지므로 해서 다시 이 작품을 제작하였다는 말이 전해지고 있다. 뭉크의 여성 초상화나 또 일반적인 여성을 표현한 작품에서 볼 수 있는 것은 여성 내면을 감추려는 듯 손을 앞에 가지런히 놓고 있는 것이다. 여기 이 작품에서 표현되어진 소녀는 사춘기 특유의 감수성이 강한 동경과 불안이 혼합되어 진 내면 세계를 풍부하게 나타내고 있다. 정면을 똑바로 바라보는 얼굴과 불안을 상징한 듯한 그림자가 인상적이다.

절규(1893)
"어느날 저녁, 나는 시내와 바다 사이에 난 피곤했고 몹시 지쳐 있었다. 몸은 피곤했고, 몹시 지쳐 있었다.· · 해가 막 서산 너머로 지고 구름은 붉게 물들어 있었다. 그 때 나는 자연 속에서 들려오는 비명소리를 들은 것 같았다. 그래서 나는 이 그림을 그렸다. 진짜 피처럼 구름을 그린 것이다. 그 색이 날카로운 비명을 질렀다."

뭉크의 작품에서는 항시 사랑, 죽음, 불안 등이 내재되어 나타나고 있는데, 여기에서는 정신 분열적 두려움에 대한 자신의 고백이면서 또한 생활과 심리학적인 발전의 사건들과 깊은 관계를 의미하고 있다. 이 작품은 뭉크의 대표적인 것 중 하나로서 원근법적인 방법을 구사한 중에 화면 구성을 대담하게 사선으로 구획하였으며, 강렬한 색채의 대비는 의외적이라기보다 상호 관계에 의한 다이내믹한 효과를 보여 주고 있다. 두 손으로 귀를 막고, 눈과 입을 크게 열고 있는 것은 절규하고 있는 상태로 느껴오기도 하지만, 사실은 자연을 통해 크게 부르짖는 소리를 느끼고 있는 것이다. 유연한 곡선과 강직한 직선과의 대비는 아아르 누보의 장식의 한 형태이며, 붉은 구름은 마치 불타고 있는 것처럼 일몰의 빛남과 동시에 공포의 화면을 나타낸다.

불안(1894)
뭉크의 작품에서는 항시 사랑, 죽음, 불안 등이 내재되어 나타나고 있는데, 여기에서는 정신 분열적 두려움에 대한 자신의 고백이면서 또한 생활과 심리학적인 발전의 사건들과 깊은 관계를 의미하고 있다. 이 작품은 뭉크의 대표적인 것 중 하나로서 원근법적인 방법을 구사한 중에 화면 구성을 대담하게 사선으로 구획하였으며, 강렬한 색채의 대비는 의외적이라기보다 상호 관계에 의한 다이내믹한 효과를 보여 주고 있다. 두 손으로 귀를 막고, 눈과 입을 크게 열고 있는 것은 절규하고 있는 상태로 느껴오기도 하지만, 사실은 자연을 통해 크게 부르짖는 소리를 느끼고 있는 것이다. 유연한 곡선과 강직한 직선과의 대비는 아아르 누보의 장식의 한 형태이며, 붉은 구름은 마치 불타고 있는 것처럼 일몰의 빛남과 동시에 공포의 화면을 나타낸다.

마돈나1(1893-1894)  2
뭉크에게 있어서 여자의 헌신적인 사랑이란 수태(受胎)하여 아이가 태어나는 것을 목적으로 한 것으로 알고 있었으며, '여자의 사랑은 육체적인 것이 아닌 정신적인 죽음과 동등시되는 것이다'라고 말하였듯이 이러한 바탕을 발전시킨 모티브가 <마돈나>이다. 뭉크의 마돈나를 보면 그녀는 더 이상 마리아의 모습이 아니다. 그녀는 긴 머리를 풀어헤치고 반쯤 눈을 감고 입술은 약간 벌린 채 마치 성적 엑스타시에 빠진 것 같은 모습으로 우리 앞에 거대하게 치솟아있다. 그녀의 긴 머리카락의 선들은 화면 전체를 휘감아 그녀의 파괴적 힘을 암시하고 있다. 여인은 위로 치솟으면서 우리를 내려다 보고 있는 것처럼 보이지만 우리의 눈 아래 누워 성적 황홀경에 빠진 채 자신의 의지를 포기하고 있는 것으로도 보인다.이에 반해 캔버스 가장자리를 미약한 흐름으로 돌고 있는 선들과 좌측 아래편의 채 형성되지 않은 태아 같은 물체는 뭉크 자신을 의미하고 있다. 즉 그것은 거대한 악마적 여성 앞에 위축되어 떨고 있는 남성과 그의 무기력한 정자를 나타내는 것이다. 사랑과 죽음은 서로 공존하며 동시에 나타나고 여자는 남자뿐만 아니라 자신까지도 위험케 하는 죽음에 지배되는 동물로서 표현되어지고 있다. 이 '사랑'의 연작은 확대되어 '이것은 사랑과 죽음에 관한 것이다.' 라고 하면서 평생 다루었다. 뭉크는 여자를 세가지 상으로 보았는데 하나는 꿈꾸는 여인, 또 하나는 삶을 갈망하는 여인, 또 체념하는 여인이었던 것이다. 이 <마돈나>에 나타난 여인에 대하여 "몸을 바치는 여자 성모의 고통스런 아름다움에 싸인다." 라고 쓰기도 하였다.

빨간 덩굴풀(1898)
노르웨이 풍경 중에서도 특히 오슬로 시가와 오스가르 스트란드의 바닷가 풍경에서 뭉크는 정신적인 생명감을 표현하였으며, 자연을 통해 외로운 감정을 불러일으키기보다는 자연 속의 분위기를 찾아냈던 것이다. 이 작품을 제작한 해가 1900년으로서 이 때에는 베를린 화단을 중심으로 활약하였는데 문인과의 교류가 왕 성하였으며, 한편 뭉크의 주관성의 강조가 고호 등과 함께 포비즘이나 표현주의에 많은 영향을 주었음을 알 수 있다. 화면 중심부에서 약간 휜 듯한 수직적인 나무와 불규칙한 듯한 울타리의 직선적 효과가 중앙 건물 덩굴풀의 빨간색의 강렬함과 상호 대립을 가지면서도 공간 변화를 강하 게 주고 있다. 원근법의 강조, 불규칙한 형태 변화, 주관성에 의한 곡선 표현과, 정면을 바라보는 인물의 심리 상태로 뭉크의 내면에 고조(高潮)된 심리 상황을 미루어 짐작할 수 있을 것 같다.

 

저승에서, 자화상
생에 전체를 통해 볼 때 뭉크는 훌륭한 초상화가였으며, 항시 즐겨 다루는 그 자신으로써 일생의 대 시리즈가 되는 자화상을 남기고 있다. 이 그림에서 볼 수 있는 거친 필세에 의한 빨간 배경과 누드, 머리 부분의 강한 형태를 만든 선과 왼쪽의 검은 연기인 듯한 그림자가 대담하게 처리되어져 있는데, 명제 그대로 '저승에서'만난 인간의 실존처럼 주관성이 강하게 묘 사되어져 있다. 뭉크는 수많은 자화상을 그렸는데 초 기에는 엄격한 양식에 낭만적인 우울함에 차 있는 자 신을 나타냈으며, 젊었을 때는 자유로운 형태감 추구에서 자의식(自意識)이 넘쳐 나게 표현하였다. 이 작품에서는 저승이라는 극한적인 상황 속에서 모 든 불안과 고뇌에서 해방되려는 의지를 보여주고 있는데, 당시의 내면적 고백으로서의 죽음의 상징화를 수용하려는 자세가 나타나고 있다

생명의 춤
사랑과 죽음을 주제로 한 연작을 통하여 예술적 생명 성을 나타내려 노력하였는데 1894년 스톡홀름에 서,1895년 베를린에서 사랑 연작을 발표한 후 1902년 베를린 분리파 전시회에 출품한 일련의 작품을 통해 <생의 프리이지>연작으로 확대되어 발전한 다. 이 작품 역시 사랑과 죽음을 바탕으로 그의 체험적 심성(心性)을 표현한 것으로 내부적 사고 (思考)에서 생겨 난 것이다. 뭉크는 여자를 세 가지 상(像)으로 보았는데 꿈꾸는 여인, 삶을 갈 망하는 여인, 체념하는 여인의 상으로서 여기에서 표현되어진 여인들을 통해 생명의 기쁨과 슬픔을 진지하게 다루고 있다. 매월 6월 23일마다 개최되는 하지제(夏至祭)의 무도회에서 느낀 것을 시도한 것으로써 인물의 대담한 배치, 색채의 강렬함, 해안선을 통해 나타난 강직함은 생명감이 충만하다.

다리 위의 소녀들1(1899)  2
강렬한 색채의 처리와 빛, 명암 관계를 조화있으면서 도 대담하게 나타낸 것은 상당히 명쾌한 느낌을 주며, 뭉크의 작품들 중에서 보기 드물 정도의 선명한 색 감 각을 발휘하고 있다. 원근법을 강조하였으며 비스듬히 놓여진 다리와 난간에 나란히 서 있는 소녀는 단순화의 형태를 보여 주며, 동감(動感)과 리듬을 화면에 도입시켜 구성하고 있다. 뭉크는 자연을 주관적 분위기에 의한 반영으로 보았으며, 낭만적인 자연 속의 인간의 무의미를 투영하려 했다. 곡선적인 요소를 강조하면서도 필세는 간명(簡明)한 것이 특징이다. 이 작품 외에도 판화로도 표현시키고 있는데, 구도는 거의 같으나 좌우가 완전히 반대로 된 동판화<선창의 소녀(1903 년)>와 같은 제명으로 된 목판화 (1920년)가 있다. 뭉크는 판화를 유화에 필적(匹敵)하는 것이라 고 생각하며 중요시하였다.

누이동생 잉게르의 초상(1892)
당시 29세 때 잠시 귀국하여 9월에 오슬로 의 토스톨프고렌에서 두 번째 개인전을 갖게 되는데 이때 발표한 초기의 대표작이 다. <검은색과 자주색의 하모니>라는 제목으로 출품되었던 초상화로서 정면을 응시하고 있는 눈에서 외부로부터 내면 세계를 투영하려는 의지를 볼 수 있는데, 이러한 정면성에 의한 시선의 초점은 뭉크 세계의 특색이기도 하다. 인물의 표현을 정교하게 나타내고 있는 듯하면서도 특징적인 것 외에 불필요한 요소는 생략하였고, 간결한 형태와 조화를 갖춘 색채는 조형적 균형을 이루고 있다. 구도적인 면에서 좌우 대칭으로 이루어진 형태는 강인하면서도 엄숙한 고전적 조화를 이루고 있는데, 인물 하단부에 바닥을 가로지르는 수평선과의 관계는 화면의 긴장을 강하게 느끼게 하면서 순수한 감동을 더 한층 주고 있다.

입맞춤1  2
이 주제는 목판화, 유화 등에서도 잘 표현 되어지고 있기는 하나, 동판화에서 볼 수 있는 간결한 선에 의한 담백한 효과를 특징있게 나타내고 있다. 사랑에 향한 눈과 마음은 상식성을 벗어난 인간화된 깊은 존재의 엄숙한 의미를 발견하게 한다. 창가에서 밝은 빛을 받으며 애무하고 있는 나체상은 매우 정성스럽게 표현되어 있다. 동일한 모티브를 다양한 기법을 통하여 추구한 가운데 각각 다른 개성적인 면을 개척한 영역을 보여 주는 작품이다. 두 연인이 포옹하고 있는 상황은 에로틱한 장르의 모습으로 볼 수도 있겠으나, 이러한 에로틱한 행동에서 개별성을 제거한 상태로 변화시켜 양성의 만남의 보편적 상징을 만들어 내고 있다. 다양한 판법에 의한 기법으로 드라이포인트, 에칭, 애쿼틴트 등을 결합한 혼합 방법에 의한 표현 효과를 갖고 있다.

질투(1895)
뭉크의 친구이자 폴란드출신인 시인 스타니슬라브 르지비셰프스키의 얼굴이다. 그 시인이 아내인 당니유엘과 뭉크 사이의 연애 관계와 연결된다. 그녀가 결혼하던 1893년에 그녀를 그린 바 있다.

어머니와 딸(1897)
밝은 여름밤의 신비스런 빛 아래에서 비탄의 검은색을 뒤로하고 있는 흰 옷을 입은 음탕한 여인

다니엘 야콥슨 박사의 초상
나는 그를 크게하고, 그리고 지옥의 모든 색깔들로 이루어진 불꽃 가운데에서 다리를 벌리고 있는 그를 그렸다. 그는 거기에서 자비를 빌었고, 비둘기같이 유순해졌다.  이 의사는 뭉크가 몸을 의탁했던 코펜하겐 근교의 어느 병원 책임자였다.

앉아있는 모델(1925-28)
그의 가장 마지막 모델 비르기트올센인데 때때로 그녀는 '고딕처녀'가 불린다.

자화상:시계와 침대 사이에서(1940-1942)
만년의 뭉크는 그 어느 때보다 더 빈번한 자신을 스케치와 유화의 모델로 삼았다. 그는 점점 더 자기 자신을 다른 사람이라고 생각했으며 역설적이게도 그렇게 하므로써 자기인식을 강화시키기에 이르렀다.

아모르와 프시케(1907)
세기초 뭉크는 면과 선을 깨뜨리고 싶은 충동을 느껴 표현하려 노력했다. 곧고 굵게 내려긋는 붓놀림으로써 생겨난 환상적인 화면은 1908년 신경쇠약에 걸리기 직전의 몇 해 동안에 뭉크가 빠져 있었던 일시적인 국면 특유의 흔적이다.

흡혈귀1  2(1902)